Évènements à venir à Bobigny

« BLVR du Rap » est un festival consacré au rap indépendant et à l’art du beatmaking, porté par l'association Culture de Banlieue. L’événement vise à valoriser les artistes émergents, les producteurs indépendants et les acteurs qui façonnent les cultures hip-hop contemporaines. Canal93 accueille trois figures de la nouvelle génération du rap indé, Ly, Costa et Jeune LC. Précédé d’un freestyle spécial 93 animé par «Propagande Freestyle. Pensé comme un temps fort culturel, artistique et réflexif, le festival vise à mettre en lumière les acteurs indépendants du rap, tout en offrant des espaces de transmission, d’analyse et de rencontre autour des mutations contemporaines du hip-hop et des cultures urbaines. BLVR Festival clôture son édition le 13 juin 2026 au Canal 93 avec une soirée 100% rap indépendant et énergie live. LINE UP : PROPAGANDE FREESTYLE – 2 rappeuses / 2 rappeurs, vérité brute, zéro script. LY – Des mots qui frappent juste, sans détour. COSTA – Flow précis, énergie froide, impact direct. JEUNE LC – Valeurs sûre de la scène parisienne, mental solide, prêt à marquer. Entre performances live, freestyle et connexion directe avec le public, cette soirée célèbre une scène indépendante libre, engagée et sans compromis. BLVR Festival, c’est une immersion au cœur de la création indépendante : du live, du fond, et une vraie connexion avec le public. En partenariat avec le MAAD93 et le département de la Seine-Saint-Denis.

### EMMANUEL EGGERMONT / L’ANTHRACITE "Open my chest and place our tomorrows inside" Faire de la danse un lieu d’accueil pour des futurs incertains. Avec Open my chest and place our tomorrows inside, Emmanuel Eggermont compose un espace sensible où les récits et les références d’une jeunesse dystopique deviennent moteur de création. À l’origine de Open my chest and place our tomorrows inside, un questionnement : quelle est aujourd’hui la place de l’artiste dans un monde traversé par l’incertitude et saturé de crises ? Comment continuer à créer lorsque l’époque semble éroder toute projection joyeuse vers l’avenir ? Plutôt que de répondre seul aux incertitudes, Emmanuel Eggermont choisit de sortir du studio pour aller à la rencontre de la jeunesse, là où s’élaborent les imaginaires d’aujourd’hui. Pour ce projet, le chorégraphe s’est rendu sur différents territoires afin d’échanger avec des jeunes de 18 à 25 ans et de recueillir les œuvres qui traversent leurs imaginaires et leurs quotidiens. Images glanées sur les réseaux sociaux, musiques, mangas, films, jeux vidéo, poèmes ou fragments de textes : chaque référence partagée ouvre une fenêtre sur un monde intérieur, une réserve vivante où le chorégraphe est venu puiser l’imaginaire et la matière de sa création. Le plateau devient un espace de résonance, une chambre d’écho où ces fragments visuels et sonores prennent corps. En sondant les motivations profondes d’une jeunesse en quête de sens, Emmanuel Eggermont propose une ode à la création partagée, une tentative sensible où l’art se cherche comme moteur de résilience et d’ouverture vers l’avenir.

Après une nouvelle année de travail, de découvertes musicales et d’exploration collective, les élèves de jazz du Conservatoire Les Lilas-Romainville montent sur scène pour présenter le fruit de leur année. À travers un répertoire éclectique, entre standards revisités, improvisations et énergie collective, ce concert mettra à l’honneur le parcours artistique des élèves, accompagnés tout au long de l’année par leurs enseignants. Une occasion de découvrir la richesse du jazz sous ses multiples formes et de partager un moment musical placé sous le signe du plaisir de jouer ensemble. Un rendez-vous ouvert à toutes et tous, curieux, amateurs de jazz ou simples mélomanes, pour fêter la musique vivante et le chemin parcouru cette saison. 📍Auditorium d'Anglemont Site Gabriel Fauré du Conservatoire - Les Lilas

### POL JIMÉNEZ "Café de Copla" Avec Café de Copla, Pol Jiménez s’empare de la copla espagnole pour en révéler les puissances cachées. Réinventant l’espace du café chantant, le chorégraphe imagine un solo trouble et magnétique, peuplé de figures à la frontière du folklore, du genre et de l’imaginaire populaire espagnol.

La Maliciosa Bulla est un collectif de cinq musiciennes originaires de Colombie, d’Argentine, d’Italie et de France. Premier groupe exclusivement féminin de bullerengue en France, elles ont pour ambition de faire résonner en Europe les musiques et danses traditionnelles de la côte caraïbe colombienne. Le bullerengue, héritage afro-colombien transmis depuis le XIXᵉ siècle, occupe une place centrale dans leur projet. Cette tradition accorde un rôle essentiel aux femmes, chanteuses, danseuses, sages-femmes, guérisseuses et détentrices de savoirs ancestraux liés aux plantes, aux prières et à la transmission. La Maliciosa Bulla s’inscrit dans cette lignée en mettant en avant l’empoderamiento femenino (puissance d’agir) ainsi que la mémoire vivante des communautés. À travers leur musique, le groupe célèbre un riche patrimoine afro-caribéen, entre transmission, rituel et fête.

### **Rencontre - débat** **GAZA ET NOUS.** ----------------- **VIVRE AU TEMPS DU GÉNOCIDE** ------------------------------ ### **avec Etienne BALIBAR, Thierry LABICA, Sophie MENDELSOHN et Luca SALZA** \----- **\> Restauration Sur place** \----- [**Revue K**](https://www.peren-revues.fr/revue-k/)**, Revue trans-européenne de philosophie et arts**

À la croisée du son et de l’image, le bruiteur Jean-Carl Feldis vous fait vivre une expérience originale : Plein feux sur le bruitage, le doublage et la musique ! Vous allez jouer ensemble sur les différentes textures des sons et donner vie à un fragment d’histoire en mouvement. Quels que soient votre âge et votre sensibilité, ce spectacle est l’opportunité de réveiller l’artiste qui sommeille en vous ! Sous l'orchestration de l'artiste, de façon ludique, vous deviendrez bruiteur comédien et musicien, le temps d’une séance. Le tout est enregistré puis diffusé avec l’image. Laissez-vous surprendre par cet atelier-spectacle interactif sonore !

### BETTY TCHOMANGA "Histoire(s) décoloniale(s) #Autoportrait" Avec Histoire(s) Décoloniale(s) #Autoportrait, Betty Tchomanga poursuit son exploration des liens entre intime et politique. À partir de son histoire familiale, de son nom et de ses origines franco-camerounaises, elle esquisse un portrait traversé par les silences de la transmission et les héritages de l’histoire coloniale. Depuis plusieurs années, Betty Tchomanga développe une recherche autour des récits, des imaginaires et des histoires qui relient l’Occident et l’Afrique. Débutée en 2023, la série Histoire(s) Décoloniale(s) se construit au fil des rencontres et des épisodes comme une traversée chorégraphique de l’histoire coloniale et de ses héritages, toujours abordés à partir d’un corps, d’un vécu, d’une histoire située. Avec ce nouvel opus #Autoportrait, la chorégraphe choisit cette fois de traverser sa propre matière biographique. En prenant pour point de départ son nom de famille, ses lignées et les mémoires incomplètes de son histoire familiale, Betty Tchomanga remonte le fil de ce qui relie la France et le Cameroun, entre trajectoire personnelle et histoire coloniale. Mais cette traversée s’écrit aussi dans les creux : récits manquants, silences familiaux, transmissions incomplètes, autant de vides où la mémoire cherche à se dire. En croisant parole, danse, musique et images, Betty Tchomanga compose une forme sensible, faite d’échos, de sensations et de surgissements. En faisant de l’autoportrait un espace d’enquête, la chorégraphe donne corps à ce qui échappe et ouvre une voie où l’intime permet de regarder l’histoire autrement.

Danses en scène --------------- ### Le conservatoire en festival Pour finir en beauté le Festival du Conservatoire, 4 spectacles avec sur scène toutes les classes de danse du conservatoire pour présenter leurs spectacles de fin d’année, des plus jeunes élèves à l’excellence des 3ème cycle et hors cursus : une véritable fête des danses ! * à 14h et 15h30 danse contemporaine et danses du Monde arabe * à 17h30 et 19h danse classique et danse jazz Les places sont à retirer à la billetterie du Théâtre du Garde-Chasse.

Hadj Sameer est DJ, collectionneur de vinyles et archiviste musical basé à Paris. Spécialiste du Raï, il développe depuis plus d’une décennie un travail de collecte, d’archivage et de mise en récit de ce patrimoine musical, en lien avec des trajectoires migratoires, sociales et culturelles entre l’Algérie, la France et au-delà. Il est notamment co-réalisateur de la série documentaire Raï is Not Dead pour ARTE. Ses interventions s’inscrivent dans une logique de médiation culturelle et de valorisation du patrimoine musical, en rendant accessible une histoire souvent peu documentée. Conçu comme une « veillée sonore » immersive à partir de vinyles et un parcours à travers une période ou une thématique du Raï, où chaque extrait est accompagné de commentaires mêlant contexte historique, analyse musicale, anecdotes et mise en perspective culturelle.

Chanteuse de rap, Nayra mêle écriture profonde et voix puissante pour créer une musique aux identités multiples, ancrée dans sa lignée marocaine et égyptienne et dans sa ville, Saint-Denis. Son art donne voix aux invisibles et aux identités plurielles. Nayra partagera avec sincérité et authenticité son parcours dans le monde souvent complexe de l’indépendance artistique. Lors de cette masterclass, elle évoquera concrètement comment survivre financièrement tout en restant fidèle à sa vision, comment bâtir un écosystème solide sans passer par un label, et comment maintenir sa santé mentale, artistique et humaine face aux défis du métier. L’objectif est d’offrir un moment à la fois inspirant, pratique et accessible, mêlant outils concrets et réflexion sur l’état d’esprit indispensable pour avancer sereinement et avec authenticité dans sa carrière d’artiste indépendante. Ce sera une occasion unique d’en apprendre autant sur le terrain que sur le mental nécessaire pour réussir dans ce parcours exigeant mais passionnant. 🎙️La masterclass sera animée et modérée par Adriana Rausseo, co-programmatrice du festival Les Femmes s'en mêlent créatrice du dispositif « Les Femmes S’engagent » pour promouvoir l’égalité et l’inclusion dans les musiques actuelles. Dans le cadre du Hip-Hop Dev 93, MAAD93. Cette Masterclass précédera le concert de Nayra + Haze MUSAZI 📅Vendredi 5 juin 18h00 ℹ️ GRATUIT sur réservation par mail : [communication@canal93.net](mailto:communication@canal93.net) ℹ️ CONCERT PAYANT 13€ prévente 17€ sur place

### DAMIEN MANIVEL "Les enfants d'Isadora Duncan" Après la mort de ses deux enfants en avril 1913, la danseuse mythique Isadora Duncan a composé un solo intitulé La mère. Dans un geste d’une grande douceur, une mère y caresse et berce une dernière fois son enfant avant de le laisser partir. Un siècle plus tard, quatre femmes font la rencontre de cette danse. ↘ Projection en hommage à l’actrice Elsa Wolliaston, et en présence du réalisateur Damien Manivel. ↘ Dans le cadre du Festival 2026 des Rencontres Chorégraphiques Internationales de Seine-Saint-Denis.

### Nancy Naous "Coquelicots ou shall we dance ?" Cinq femmes occupent le plateau pour faire de leurs corps une expression collective où l’on danse et l’on résiste. Puisant son inspiration dans une série d’entretiens menés auprès de mères et d’épouses de disparus de la guerre civile libanaise (1975-1990), Nancy Naous explore avec cette création des rituels modernes de résistance. Entre mouvement et voix se tisse un élan vital qui oscille sans cesse entre la mémoire et la célébration. Deux moteurs chorégraphiques traversent la pièce : la dabké, danse populaire traditionnelle du Moyen-Orient ancrée dans la terre et le groupe, et le clubbing, forme sociale contemporaine liée à la transe, à l’endurance et à l’affirmation du vivant. Deux langages dont la rencontre fait naître une tension rituelle, entre enracinement et mouvement libératoire.

### SUZANNE HENRY "elle brûle" Avec elle brûle, Suzanne Henry part d’une colère qui la traverse, à la fois moteur et protection, manière d’affirmer sa place autant que de contenir une vulnérabilité. De cette tension naît un premier solo incandescent, une traversée physique dense et engagée, menée jusqu’au seuil de l’embrasement.

### AMIR SABRA & ATA KHATAB "Badke(remix)" Repris par dix artistes palestinien·nes, Badke (2013) devient remix et manifeste. La dabkeh, danse traditionnelle de Palestine, s’y déploie comme terrain de jeu et de lutte. Une célébration obstinée, où l’élan collectif oppose à la violence une pulsion de vie irréductible. Créée en 2013 par Koen Augustijnen, Rosalba Torres Guerrero et Hildegard De Vuyst, Badke est issue d’ateliers menés en territoire occupé avec dix danseur·euses palestinien·nes. Portée sur les scènes du monde entier, saluée par la critique, la pièce a formé une génération de danseuses et danseurs. Parmi eux, Amir Sabra et Ata Khatab reprennent aujourd’hui le flambeau et ramènent l’œuvre là où tout a commencé.

### LES IDOLES "STRIP" Avec _STRIP_, Chandra Grangean et Lise Messina inventent un espace de métamorphose collective, à la croisée de la danse, de la performance et de l’installation vivante. Dans ce laboratoire bi-frontal, les relations deviennent des terrains d’expérimentation où les identités se fabriquent et se transforment à vue.

### PHILIPPE LEBHAR "DIBBOUK" À partir de la figure du _Dibbouk_, âme errante issue de la tradition juive, Philippe Lebhar imagine un solo où le deuil devient matière chorégraphique. Une traversée sensible des rites et de l’héritage, où le corps se fait lieu de mémoire et d’expérience partagée. _Dibbouk_ naît d’un choc qui reconfigure profondément le rapport au corps, au temps et à l’identité. Pour ce projet, Philippe Lebhar entreprend un voyage sensoriel à travers les strates de son histoire familiale et de son héritage culturel, explorant les couches de son identité et laissant le corps devenir le lieu d’apparition de forces invisibles.

### BILAKA "DIRAU" Avec DIRAU, le Collectif Bilaka signe une nouvelle création pour l’espace public. Portée par la marche et les rythmes de la tradition basque, la pièce réunit quatre danseur·euses et un musicien dans une forme où le chant, la pulsation et l’endurance donnent corps à une expérience à la fois intime, physique et collective.

_Bandes originales_ : des œuvres de la collection du Frac Île-de-France au Conservatoire ---------------------------------------------------------------------------------------- ### Avec les œuvres de Salomé Chatriot, Renée Green, Nate Harisson, Olaf Nicolai, Pipilotti Rist et Anri Sala. Après une visite de l’exposition _Bandes Originales_ avec des œuvres de la collection du Fonds Régional d’Art Contemporain, des élèves du Conservatoire Les Lilas-Romainville proposent des interprétations et appropriations en musique de ces œuvres. Les gestes, le souffle, la vie et l’histoire s’invitent dans ces œuvres qui entrecroisent formes et contenus musicaux et leur donne toute leur originalité. Interpréter une œuvre c’est aussi se l’approprier comme on s’attache à une musique qui nous accompagne au quotidien et en constitue la bande originale. **Une exposition dans le cadre du programme** _**Le Syndrome de Bonnard, ou l’impermanence des œuvres**_**.** **Avec des élèves des classes de saxophone, batterie et violon.**

Chaque année, au mois de mai, le festival transforme pendant trois jours les étals du marché Gisèle-Halimi, les planches du Garde-Chasse et l’Espace culturel d’Anglemont en lieux d’exposition et de convivialité. De l’illustration à la céramique, en passant par la poterie, la peinture, le tricot, la photographie, le collage et la sculpture, Lil’Art réunit toute la richesse de la création contemporaine du territoire, amatrice et professionnelle. Une programmation d’ateliers pour petit·es et grand·es et de spectacles en plein air rythme le festival, offrant au public un temps de découverte et d’émerveillement collectif. La bibliothèque lira des histoires dans le Square Georges Gay le samedi 23 mai à 15h. Prochaine édition : du jeudi 21 au samedi 23 mai 2026 Contact au 01 48 46 07 20 [](images/Evenements/2026/affiche_lilart.jpg)

**La PALESTINE au DECOLONIAL FILM FESTIVAL** ### **Programmation Héritages** \----- **WITH HASAN IN GAZA** ---------------------- de Kamal ALJAFARI 2025 ~ Palestine ~ Allemagne ~ France ~ Qatar ~ 1h46 **sélectionné par Tsedek!** **\> Après le film, échange avec des membres du collectif Tsedek!** \----- _« Je suis allé à Gaza en 2001. C'était mon premier tournage, que je n'ai jamais finalisé._ _Trois cassettes MiniDV sur la vie à Gaza en 2001 ont été récemment retrouvées. Ces images constituent désormais une mémoire visuelle d'un lieu et d'une époque qui n'existent plus. Ce qui a commencé comme la recherche d'un ancien codétenu de 1989 - un homme perdu dans le temps et la guerre – est devenu un road trip imprévu, du nord au sud de Gaza, en compagnie de Hasan, un guide local dont le sort reste inconnu. Alors que la caméra parcourt les rues et les paysages de Gaza, elle capture des moments fugaces de la vie quotidienne, des fragments d'une réalité désormais irréversiblement altérée. « With Hasan in Gaza » transforme ces images oubliées en une réflexion cinématographique sur la mémoire, la perte et le passage du temps, capturant une Gaza du passé et des vies qui ne seront peut-être jamais retrouvées. »_ \----- Le film est à la fois un journal de voyage et un geste de cinéma magnifique où la mémoire intime et l’histoire collective se rejoignent pour résister à l’effacement. Kamal Aljafari propose l’une des réflexions les plus aiguës sur notre présent : il ne s’agit pas seulement d’exhumer des archives, mais de les réinscrire comme appel, contre une normalisation meurtrière et un monde complice de son maintien.

Chorégraphie et interprétation **Philippe Lebhar** Ce projet est né d’un bouleversement intime : la mort de mon père, le 12 juillet 2022. Il s’est noyé en Israël, un pays qui n’était pas tout à fait le sien, mais dans lequel il se sentait profondément chez lui. Ce drame, survenu pendant ce qui devait être des vacances, a marqué un tournant radical dans ma vie. Une rupture. Une transformation intérieure irréversible. Dans le sillage de ce choc, une question centrale a émergé : celle de mon identité. Mon héritage culturel. Ma judéité. Des dimensions que j’avais parfois mises à distance ou laissées en suspens, et qui aujourd’hui résonnent autrement, avec urgence et nécessité. Dibbouk est donc une réponse artistique à cette secousse. Un solo comme un espace de fouille, de réappropriation, de création. Je cherche à y tisser une parole physique, nourrie de traditions, de fragments personnels, de fantaisies et de croyances. C’est une pièce qui croise le sensible et le spirituel, la mémoire et le mouvement, le deuil et le désir de transformation. Un corps seul en scène, mais traversé par des présences multiples – les voix du passé, celles qu’on hérite, celles qu’on invente.

Programmation à venir...

Une symphonie en 3 mouvements d'une durée de 30 minutes avec Jérôme Rouger en journaliste producteur, Patrick Ingueneau chef d'orchestre, Armelle Dousset 1er klaxon, et l’orchestre philarmonique automobile (8 habitants du territoire). On assiste à un concert commenté. Après une présentation du lieu du concert, des concertistes et de l’instrumentarium par Jérôme Rouger, vrai-faux journaliste de France Musique, le concert se déroule suivant les codes habituels du concert classique : arrivée très codée des musiciens, du chef d'orchestre Patrick Ingueneau, saluts, accord, puis jusque dans le déroulement du concert, même s’il s'agit ici d'une symphonie en 3 mouvements ! Les commentaires de Jérôme Rouger permettent de décoder les actions du chef et des musiciens et de les recoder pour parfois leur donner un sens inattendu. Ces commentaires, ajoutés au détournement de l’usage habituel de la voitureinvitent à une interrogation sur la place de la voiture aujourd'hui. Au-delà de l'aspect déconcertant et drôle du concert, cette Symphonie pour klaxons et essuie-glaces est aussi une invitation à se questionner sur ce qui est musique et ce qui ne l’est pas, ce qui est art et ce qui ne l’est pas, sur comment la présence d’un média de validation artistique (comme l’est France Musique) donne de la valeur à une oeuvre, un événement. [\-> Plus d'infos sur le spectacle](https://www.lamartingale.com/symphonie-pour-klaxons-et-essuie-glaces) [\-> Réserver](https://lepreambule.ligne.fr/agenda/en-cas-de-peril-imminent/)

Dans une multitude de couleurs, de musiques venues d’ici et d’ailleurs, les élèves des 4ème et 3ème CHAM vous entraînent dans une farandole où la fête est à l’honneur : d’un continent à l’autre, la fête est transgressive et rassembleuse, ancestrale et spontanée. **Elle nous rappelle des évènements dont on doit se souvenir, et qu’au présent les liens se renouent, de génération en génération, grâce à la danse et à la musique.** _Avec les ensembles instrumentaux et ensembles vocaux des classes CHAM du collège Jean Renoir_ _Bérengère Altieri-Leca, mise en scène - Manon Bonneville, direction vocale - Claude Whipple, arts du son – Maxime Senizergues, ensembles instrumentaux_

Billetterie officielle : Hormur → https://hormur.com/event/019bc7e4-de32-7334-a798-fbc1ebae4f04 (seules les réservations faites sur Hormur sont valables) Envie d'une soirée musicale intimiste ? Rejoignez Célestin, le 20 février 2026, pour un concert unique à Romainville. Dans le salon chaleureux de cette colocation accueillante, laissez-vous emporter par la magie des chansons amouristiques de Célestin. Inspiré par Brassens et Stromae, il vous fera voyager entre acoustique et électronique, le tout dans une ambiance conviviale et verdoyante. C'est l'occasion de vivre un moment de partage exceptionnel où la musique et les rencontres humaines sont à l'honneur. Les places sont limitées, alors ne tardez pas à réserver. 📅 20 février 2026 📍 Romainville 🎟️ À partir de 12€, places limitées → Découvrez l’artiste et réservez votre place sur hormur.com Soutenez la scène locale et vivez une rencontre à taille humaine entre artiste, hôte et public — réservez sur Hormur pour sécuriser votre place et recevoir l’adresse précise : https://hormur.com/event/019bc7e4-de32-7334-a798-fbc1ebae4f04

BRASILEAR JÁ, un voyage au Brésil par la voix Caroline Faber, Jean Poulhalec, Lanna Zita et l’ensemble Canto do Marais Brasilear já ! C’est le récital que portent Lanna Zita et Caroline Faber, avec un programme qui embrasse un siècle de musique brésilienne. Accompagnées par le talentueux Jean Poulhalec à la guitare 7 cordes, ces voix complices et merveilleusement complémentaires dialoguent avec le jeu sensible et virtuose de la guitare brésilienne. Par le biais d’anecdotes fascinantes, venez découvrir la culture foisonnante de ce pays-monde qu’est le Brésil, et ses innombrables mutations depuis la fin du 19e siècle.

À la croisée du théâtre d’objets, du cirque miniature et du clown involontaire, « Vue » solo pour manipulatrice d’objets usuels met en scène une protagoniste méticuleuse, délicate, et ordonnée à outrance. Dans ce spectacle sans parole, la tension monte et inévitablement, l’histoire dérape. On rit autant que l’on s’émerveille des micro-bricolages en direct. On s’attendrit autant que l’on s’inquiète pour ce personnage miroir de nos propres folies. À l’origine intitulé « Vu », créé et interprété par Étienne Manceau, ce spectacle iconique s’offre une seconde vie grâce à la transmission du rôle à la comédienne Amélie Venisse. « Subtile maitrise de la lenteur, du ratage, dosage de l’attention et de l’humour, virtuosité de l’infime geste, autant de paramètres qui font de Vue une ode à la poésie du quotidien. » - La Terrasse Écriture et conception : Sylvain Cousin et Étienne Manceau d’après le spectacle « Vu » Interprétation : Amélie Venisse Regard extérieur : Sylvain Cousin Scénographie : Guillaume Roudot Diffusion et Production : Manon Durieux Administration : Lucile Hortala Production : Compagnie Sacékripa Coproduction : Pronomade(s), Centre National des Arts de la Rue et de l’Espace Public, Haute Garonne / Le Samovar, Bagnolet / Quelques p’Arts… Centre National des Arts de la Rue et de l’Espace Public, Auvergne – Rhône-Alpes. Partenaires et soutiens : CIRCa, pôle national des Arts du cirque, Auch / La Petite Pierre, Jegun / l’Espace Catastrophe, Centre International de Création des Arts du Cirque, Bruxelles / La Grainerie, Balma / Le Lido, Centre Municipal des Arts du Cirque de Toulouse / l’Eté de Vaour. Le Théâtre de Poche de Hédé a soutenu la création du spectacle Vue.

Conférence dansée par Tiziana Leucci, chercheuse au CNRS et CESAH-EHESS ----------------------------------------------------------------------- ### avec la participation des élèves de danse contemporaine du Conservatoire Les Lilas-Romainville La technique, la pédagogie, l’écriture et la mise en scène de la danse moderne et contemporaine, telles que nous les observons aujourd’hui, sont le résultat d’un long processus culturel et artistique de création. Ils sont aussi le produit de la transmission des riches savoirs et savoir-faire chorégraphiques, qui ont été formalisés à la fin du 19e siècle, et sont arrivés jusqu’à nous, en étant constamment renouvelés. Au cours de notre rencontre, nous voyagerons ensemble dans le temps et l’espace, en montrant comment les théoriciens, les chorégraphes, les interprètes et les maîtres de danse, se sont inspirés pour leurs compositions autant des autres arts de la scène (théâtre, musique, chant, cirque, cinéma) et des arts plastiques (sculpture et peinture), que de danses dites ‘populaires’ ou ‘traditionnelles’ d’Europe, d’Amérique et d’autres pays considérés à l’époque comme ‘exotiques’. La conférence sera illustrée par des images et par des démonstrations pratiques présentées par les élèves de 2e cycle (2C4) d’Ulrike Niemeier et de Bérangère De La Forest, professeures de danse contemporaine au Conservatoire des Lilas-Romainville. 📍Auditorium Emmanuel Nunes Site Nina Simone du Conservatoire Les Lilas-Romainville Romainville

Dans ce spectacle à la fois drôle et poétique, une clown maladroite et un acrobate pétillant se rencontrent au son du violoncelle. Ici, pas de mots, mais des corps qui se découvrent, s’observent, et s’imitent joyeusement dans un subtil jeu de miroir déformant. Au rythme de la musique, tous les deux prennent le temps de s’apprivoiser. Ils s’accordent avant d’inviter les enfants à les rejoindre. Tout comme moi est une ode à l’écoute et au partage pour le très jeune public dès 18 mois. **Imitation et empathie** ------------------------- **L'imitation est un élément central de l’apprentissage de l’enfant. Imitation de gestes, de sons, d’expressions, de comportements, cette action est spontanée et centrale, indispensable aux différentes étapes de son développement. Elle favorise l’empathie, la capacité à percevoir et reconnaître les émotions d’autrui. L’imitation est un des principes de jeu entre les deux personnages du spectacle. Un jeu qui leur permet d’appréhender l’autre dans sa singularité au niveau moteur et au niveau émotionnel. Cette imitation peut être instantanée et maladroite, dans une tentative de synchronisation impossible, créant ainsi des décalages poétiques ou comiques. Elle peut aussi se faire en différé, montrant ce que le personnage a retenu ou compris de son partenaire. Au fil du spectacle, l’imitation permettra aux personnages de mieux se comprendre, de jouer ensemble malgré leurs différences, d’affiner leur écoute et leur capacité à interagir avec l‘autre.** **Explorer son rapport au corps** --------------------------------- **Chacun des personnages présente un rapport au corps différent et complémentaire.** **L’acrobate est très habile et téméraire. Il se déplace dans l’espace de façon extra- ordinaire, utilisant son savoir faire technique. Il rappelle ainsi au jeune spectateur son propre désir d’expérimentation et ses prises de risque dans la découverte de la marche et l’appréhension des obstacles qui jalonnent son apprentissage de la motricité.** **La clown rencontre, quant à elle, des difficultés pour se mouvoir. C’est un personnage maladroit qui peine à appréhender l’espace et les objets. Elle tombe, mais se relève, tentant avec persévérance de maîtriser ce corps qui lui échappe bien trop souvent. Cette seconde attitude résonne également chez les jeunes spectateurs empreints de rêves de cascades, mais parfois limités dans leur capacité à les réaliser.** **Ces deux personnages offrent donc deux facettes d’un rapport au corps qui se complètent, deux facettes nécessaires au développement moteur chez l’enfant.** **Un spectacle visuel, mêlant écriture et interactions avec le public.** ------------------------------------------------------------------------ **Dans cette création peu de mots, mais des corps qui expriment ce que ressentent les personnages, les mouvements sont chorégraphiés offrant un ballet visuel très écrit mais laissant place à l’imaginaire. Afin d’affiner ce travail d’écriture du mouvement et ce jeu des corps qui traduisent les émotions,** **Muriel Henry a fait appel à Joëlle Iffrig, chorégraphe avec qui elle avait déjà entamé une collaboration pour sa précédente création “ Pas touche la mouche ! “.** **“Tout comme moi” est une forme très écrite mais ouverte, permettant des temps d’interaction et d’improvisation subtils avec le public puisque ses réactions, ses manifestations sont prises en compte par les interprètes.** **Ainsi, les jeunes spectateurs et leurs accompagnateurs y ont une place à part entière. Il n’y a pas de quatrième mur. Cet aspect rend chaque représentation unique pour les artistes comme pour les enfants.** **Une représentation et plusieurs temps d’échanges.** ----------------------------------------------------- **Avant la pièce, nous proposons un temps d’accueil pendant lequel le public est installé en douceur. À cette occasion, la violoncelliste offre une première ambiance musicale permettant à chacun d’apprivoiser l’instrument et sa qualité sonore. Les deux interprètes profitent de cet instant pour montrer les différents espaces aux enfants et à leurs accompagnateurs : la zone de jeu pour les trois artistes (matérialisée par le tapis de danse blanc) et la zone d’observation active pour les jeunes spectateurs qui ne sont pas tenus de rester totalement immobiles et silencieux. Le spectacle est vivant, les enfants aussi !** **La représentation se termine par un temps inclusif et participatif durant lequel les enfants sont invités à partager l’espace scénique, à expérimenter quelques principes de jeu tirés du spectacle, et à découvrir de plus près le violoncelle.** **L’univers sonore, le 3e personnage.** --------------------------------------- La musique est interprétée en direct par la violoncelliste Johanne Mathaly. La main sur l’archet, elle guide le jeu des comédiens, rythme l’action et pose des paysages sonores variés. Ses compositions originales emportent le public dans un univers à la fois doux, ludique et poétique. Le son propre au violoncelle apporte une dimension sensorielle supplémentaire au spectacle. Les personnages laissent leurs émotions et leurs questionnements affleurer par le biais du souffle, de bruits et d’onomatopées qui accompagnent le mouvement et rendent lisibles ce qui les traverse.

La Chorale enfants, les classes d’orchestre, les ateliers de musiques actuelles et jazz vous invitent à leur concert d’hiver !

Autour du contrepoint : un programme de piano à 4 mains ! --------------------------------------------------------- Troisième opus d’un cycle de concerts de piano à quatre mains, le duo complice des pianistes Vincent Planès et Jean-Sébastien Dureau propose un programme autour de **Beethoven, Schumann et Brahms** qui, au soir de leur vie, se sont tous trois tournés vers le contrepoint pour livrer quelques-unes de leurs partitions les plus visionnaires: Beethoven dans _la Grand Fugue_ (final de son quatuor à cordes opus 130 dont il écrit aussi une version méconnue pour 4 mains), Schumann dans ses études en forme de canons et Brahms avec ses ultimes préludes de chorals pour orgue opus 122 dans la transcription réalisée par le duo. Et pour finir, _la Fantaisie_ de **Schubert**, l'une de ses plus grandes œuvres composée dans cette même vision d’un « clavier à quatre voix ».

Atelier animé par l'artiste-illustratrice Julia Chausson avec les élèves des cours de Français Langue Etrangère (FLE) de la ville du Pré-Saint-Gervais. Amusez-vous à retrouver les différents métiers représentés et un cœur glissé dans chaque image ! Julia Chausson est autrice de nombreux livres et d’expositions pour la jeunesse. Le livre qui a inspiré cet atelier, *Tout feu tout flamme* (éditions A pas de loups, 2025) est disponible à la bibliothèque. 

Lene a un grand rêve : aller seule explorer la cave familiale, zone sombre et mystérieuse de la maison. Seulement, son frère lui a formellement interdit d’emprunter sa belle lampe de poche jaune… Alors, comment faire ? L’auteur Jon Fosse propose avec Noir et humide un récit d’apprentissage pour s’émanciper de nos peurs enfantines. Lene est une petite fille qui n’a qu’une obsession : descendre à la cave et l’explorer, malgré ses craintes, avec la lampe de poche que son frère lui a interdit de prendre. Un jour, sa mère lui annonce qu’elle doit aller faire des courses, et son frère est également sorti. L’occasion rêvée pour Lene : elle va enfin pouvoir aller tranquillement à la cave avec la lampe de son frère. Malgré tous les risques pris pour cela, elle n’y parviendra pas : à peine a-t-elle réussi à attraper la lampe de poche, qu’elle entend son frère rentrer. Il veut montrer la lampe dont il est si fier à son ami. La tension monte, Lene se cache sous le lit la lampe à la main, son frère angoisse de ne plus trouver sa lampe… et Lene pense à tout ce qu’elle a encore raté, tout ce qu’elle n’a pas pu voir à la cave mais qu’elle continue d’imaginer… « Et c’est à ce moment-là, à ce moment précis, que Lene a décidé qu’un jour elle emprunterait la lampe de poche et descendrait à la cave où il fait noir et humide et où il y a tant de choses qu’elle ne connaît pas ». À partir de cette situation quotidienne, se dégage la thématique des angoisses liées aux expériences que l’enfant est amené à faire autour de la notion de maison. A priori, le texte porte un lexique minimaliste, voire même saturé de répétitions, qui n’appartient ni au conte, ni à la scène, ni à la nouvelle. Le texte relève de la simplicité et de la fraîcheur. L’auteur rend finement théâtral un contenu qui n’en porte pas du tout les marques classiques. Le style de Jon Fosse possède un rythme qui va à l’encontre de tout ce que l’on propose généralement aux jeunes en ce moment. Ce rythme est évidemment en lien avec le contenu. Tandis que la mère sort faire des courses, que le frère et son copain jouent dehors, la petite fille Lene veut absolument partir à la recherche de l’inconnu. Ainsi, le texte est composé de mots très simples qui sont répétés d’innombrables fois, comme pour marquer les allers et retours de Lene, ses peurs et ses désirs de transgression. À travers une situation banale, nous découvrons tout ce qu’un enfant doit apprendre pour grandir. Tout public à partir de 7 ans. Durée : 50 mn. Texte : Jon Fosse (éd. de l’Arche, traduit du norvégien par Terje Sinding) Mise en scène : Christophe Laluque Jeu : Cléa Laize, Chantal Lavallée, Robin Francier Création lumière : Mehdi Izza (Trafikandars) Création musicale et sonore : Nicolas Guadagno Costumes : Lou Bonnaudet Régie générale et lumières : Léo Lequesne Diffusion : ([diffusion@amin-theatre.fr](diffusion@amin-theatre.fr)) Production : Amin Théâtre Coproduction : L’Ancre - Théâtre royal de Charleroi, Théâtre Joliette à Marseille, Robert de Profil. La compagnie est soutenue par : DRAC Île-de-France – Ministère de la culture et de la communication (cie conventionnée), Conseil Régional d’Île-de-France, Conseil Départemental de l’Essonne. Le spectacle a reçu l’Aide à la diffusion de la Ville de Paris.

Auteur et illustrateur jeunesse reconnu pour sa maîtrise, virtuose de l’art du papier découpé, Antoine Guilloppé propose une plongée en trois dimensions dans son univers tantôt lumineux, tantôt mystérieux. Cette exposition, où tirages, dessins préparatoires et décors se côtoient, invite à l’enchantement en métamorphosant l’espace. L'exposition sera visible sur ces dates : Bib. Elsa Triolet. Du mardi 6 janvier au samedi 28 février 2026 Bib. Nelson Mandela. Du mardi 3 mars au samedi 25 avril 2026 Bib. Jules Verne. Du mardi 5 mai au samedi 27 juin 2026 *© Antoine Guilloppé*

Qui n’a jamais rêvé d’une soirée mémorable dans un jazz club ? Ce rêve devient réalité grâce à la venue exceptionnelle du Queenie’s Jazz Band en Seine-Saint-Denis. À travers un spectacle musical associant musique live, jeu théâtral et projections d’illustrations, plongez dans l’univers vibrant du jazz et dans l’histoire méconnue mais fascinante de Queenie, alias Stéphanie Saint-Clair. **Cette figure incontournable de la Harlem Renaissance, fut à la fois une cheffe de gang redoutée et une fervente défenseuse des droits de sa communauté.** Au programme : **Carla Bley - Mary Lou Williams - Melba Liston - Sara Cassey - Alice Coltrane - Geri Allen** _Avec le Queenie’s jazz Band, ensemble instrumental professionnel du réseau des conservatoires d’Est Ensemble et des étudiants du réseau_ Également donné : Vendredi 21 novembre à 20h30, Conservatoire du Pré-Saint-Gervais – Inauguration Samedi 22 novembre à 20h30, Bobigny – Canal 93

_Connor, 12 ans, suit quotidiennement le live de Thalie, une streameuse qui se filme en train de dormir 24 h/24. Un jour, elle disparaît. Le live est toujours allumé, mais plus personne n’est à l’écran. Connor, insomniaque, se lance alors à sa recherche et déclenche sans le vouloir une assistante virtuelle ambiguë, à la fois sphinx et fée destroy, pour l’accompagner dans sa quête. Inquiète pour son ami qui ne vient plus au collège depuis plusieurs jours, Camélia, shifteuse débutante, cherche à joindre Connor qui semble progressivement disparaître._ Le spectacle explore les liens entre adolescence, virtuel et imaginaire collectif et nous invite dans le vortex d’internet, ses absurdités, ses juxtapositions étranges, son caractère aléatoire et fascinant, révélant à la fois la beauté et la mélancolie d'une ère de solitudes connectées.

Pendant dix jours, FILMAR en América Latina propose un voyage cinématographique unique à travers des fictions, documentaires, films d’animation et rétrospectives. Cette édition met à l’honneur Albertina Carri, cinéaste argentine qui explore des récits intimes, politiques et queer, et Freddy Mamani, architecte bolivien dont les créations néo-andines mèlent couleurs et formes. Le festival interroge l’identité, la mémoire, la justice et les droits humains, et s’engage pour l’inclusion avec des projections Relax, des séances en langue des signes, des programmes pour le jeune public et de nombreuses collaborations locales et internationales. En plus des projections, le public pourra participer à des tables rondes, conférences et fêtes, moments de rencontre et de dialogue entre cultures et générations. Le festival se conclura avec la remise du Prix du public et du Prix du Jury des jeunes, décernés aux films des sections FOCUS SUD et OPERA PRIMA. Un rendez-vous incontournable qui fait rayonner la vitalité artistique latino-américaine et offre à Genève une expérience ouverte, solidaire et haute en couleurs. [Plus d'infos](https://filmar.ch/)

Mamie Olive s’est fracturée la hanche. En convalescence, elle s’installe dans la chambre de son arrière petit-fils, Ollie ! Et par-dessus le marché, voilà qu’il doit l’accompagner à la piscine alors qu’il n’aime pas l’eau… Il ne sait pas nager. Tout semble les séparer. C’est une vieille dame et il est plein d’énergie. Mais tout change à la piscine. Ollie découvre que son arrière-grand-mère était nageuse aux Jeux Olympiques de Londres en 1948. Incroyable ! Tout en lui faisant le récit de ses épreuves sportives, Mamie Olive guide Ollie à son insu dans l’eau… Odile Grosset–Grange met en scène ce beau texte de Mike Kenny, écrit comme un match pour aborder la question de l’âge, du lien intergénérationnel et de la nécessité de dépasser ses peurs… Un spectacle ludique et émouvant qui rappelle que l’essentiel c’est bien de se lancer… Prêts à plonger dans le grand bain ?!

Vous êtes les bienvenu.e.s pour partager un moment musical avec les élèves de jazz du Conservatoire Les Lilas-Romainville dans le cadre chaleureux du Bar Le Syringa aux Lilas ! Venez avec vos instruments pour participer !

Les classes de hip-hop vous présentent leur spéctacle de fin d’année sur des chorégraphies signées Thierry Anoman !