Évènements à venir à Paris

### **Soirée de lancement du livre** **ICI COMMENCE LA TERRE** ------------------------- **de Jadd HILAL** ----------------- ### **en présence de l'auteur** \----- Le portrait bouleversant et intime d'une grand-mère palestinienne hors du commun. • L’histoire vraie d’une famille palestinienne, quand la grande Histoire du Moyen-Orient bouleverse les destins individuels. • L’hommage émouvant de l’auteur à sa grand-mère, femme autoritaire et fragile, profondément désorientée par le déracinement. • Une langue fluide, vivante, rythmée par des chapitres courts qui apportent au roman dynamisme et fraîcheur. \----- En 1948, Aïda et sa famille sont contraints de quitter leur village de Palestine. Commence l’exil : du camp de Baalbek à Beyrouth. Comment recréer les liens perdus quand le quotidien d’Aïda est marqué par l’absence d’un mari distant ? Quand la ville lui demeure étrangère ? Quand la solitude est telle que ses enfants sont obligés de s’occuper d’elle, au prix de leurs libertés ? La guerre civile libanaise ravive la peur, l’enfermement et la violence. À chaque nouveau massacre de Palestiniens, Aïda se replie davantage dans son appartement. La famille éclate : ses enfants quittent le Liban pour fuir la guerre, et pour échapper à la déraison de leur mère. Aïda finira par rejoindre sa fille à Paris. En racontant sa vie à son petit-fils Adib, elle se surprend à transmettre autre chose que la douleur. Elle ne transmet plus l’exil, mais la terre de Palestine. \----- **Jadd Hilal**, né en 1987, est un auteur franco-palestino-libanais. Il enseigne les lettres et la philosophie et réside en région parisienne. Aux éditions Elyzad sont parus ses trois romans : “Des ailes au loin“ (Elyzad poche, 2021), Grand Prix du Roman métis et Prix du Roman métis des lycéens, Prix de la Première œuvre littéraire francophone, “Une baignoire dans le désert“ (2020) récompensé par le Prix littéraire des lycéens et apprentis d’Île-de-France et “Le Caprice de vivre“ (2023). \----- ### **L'ouvrage :** [**Ici commence la terre**](https://www.culturedepalestine.org/articles/210887-ici-commence-la-terre)**. Roman. Jadd Hilal.** [**Éditions Elyzad**](https://elyzad.com/), 2026. 288 pages. 21,50 € \> Parution le 21 août 2026

Plongez au cœur du folklore slave et découvrez comment la Baba Yaga est devenue la Baba Yaga dans ce conte original en théâtre d’ombres ! ”Viens-tu ici pour accomplir une tâche, ou pour fuir une tâche ?” C’est ce que demande la sorcière Baba Yaga à la petite Anoushka, qui s’est perdue dans la forêt en cherchant son petit oiseau. En échange de sa bonne conduite, Baba Yaga promet de répondre à trois de ses questions : Pourquoi sa maison a-t-elle des pattes de poulet ? Pourquoi vit-elle toute seule dans la forêt ? Où se trouve son petit oiseau ? Baba Yaga est sans aucun doute la figure la plus connue du folklore slave, bien qu’elle ne soit qu’un personnage secondaire aidant ou mettant des bâtons dans les roues au protagoniste principal. Mais jamais l’héroïne de sa propre histoire. Eh bien cette injustice change aujourd’hui, dans ce conte ! TEASER : [https://www.youtube.com/watch?v=4Gdf1sGc8RM](https://www.youtube.com/watch?v=4Gdf1sGc8RM) Ce spectacle fait partie de notre répertoire des contes du monde en théâtre d’ombres. Une invitation à explorer la richesse des récits traditionnels et des légendes qui ont traversé les âges. À travers des silhouettes délicatement découpées et projetées sur grand écran, chaque conte prend vie, transportant petits et grands dans des voyages imaginaires au cœur de cultures variées. Alors venez découvrir l’histoire de la Baba Yaga, et restez à la fin pour poser vos questions et en découvrir plus sur le théâtre d’ombres et le fonctionnement de ses marionnettes ! Spectacle jeune public | 45 min | à partir de 5 ans Les 28 et 30 juillet 2026 à 14h30 et les 4 et 6 août 2026 à 10h30 Réservation : [https://www.billetreduc.com/spectacle/baba-yaga-la-sorciere-384452](https://www.billetreduc.com/spectacle/baba-yaga-la-sorciere-384452) Théâtre Darius Milhaud 80 allée Darius Milhaud, 75019, Paris. Renseignements et réservations : 01 42 01 92 26 E.mail : [theatre@tdmparis.fr](mailto:theatre@tdmparis.fr)

Imugi est un jeune apprenti dragon qui n‘a qu‘une ambition, celle de devenir un vrai dragon ! Avec son amie Hyun-Ae, il va partir à la recherche d‘une sphère céleste pour réaliser son rêve. Mais il leur faudra d’abord déjouer les manigances du Seigneur Tigre… Découvrez ou redécouvrez les contes emblématiques de la Corée à travers une histoire poétique, drôle et touchante en théâtre d’ombres. Et restez à la fin pour en découvrir plus sur le théâtre d'ombres et le fonctionnement des marionnettes ! D’après une histoire originale de Carole Ballereau et avec les marionnettes d’Antoine Charneau. Pour les enfants à partir de 3 ans. Dates et horaires : \- 28 juillet 2026 à 10h30 \- du 10 au 14 août 2026 à 10h30 \- 24, 26 et 28 août 2026 à 14h30 \- 31 août 2026 à 10h30 Théâtre Darius Milhaud 80 allée Darius Milhaud, 75019, Paris. Renseignements et réservations : 01 42 01 92 26 E.mail : [theatre@tdmparis.fr](mailto:theatre@tdmparis.fr) Réservation : [https://www.billetreduc.com/spectacle/imugi-356890](https://www.billetreduc.com/spectacle/imugi-356890) Prix unique : 9€

La galerie Arts d’Australie • Stéphane Jacob a le plaisir de présenter Konstantina | Birrung Ngura – Belonging to Country, Appartenir à la terre , une exposition monographique consacrée à l’artiste aborigène Konstantina, femme Gadigal de la nation Eora. À travers son travail, Konstantina révèle la relation intime et vivante que son peuple entretient avec la terre, un territoire qui s’étend de l’actuel Opéra de Sydney jusqu’à South Head et Watsons Bay. Ses œuvres traduisent à la fois la mémoire ancestrale et une lecture contemporaine du paysage, mettant en lumière la continuité et la réinvention des savoirs ancestraux. **Avant-propos de l'exposition** À travers sa pratique artistique, Konstantina explore le lien intime et durable entre les peuples aborigènes et leur territoire, révélant la continuité, le renouveau et la résilience culturelle des savoirs ancestraux. Son langage visuel contemporain réinterprète les signes et le dot-painting traditionnels de ses ancêtres, proposant un récit moderne qui permet de mieux comprendre que les peuples des Premières Nations font partie intégrante du tissu social et environnemental de l’Australie. Guidée par un engagement profond envers la langue, la culture et l’histoire, Konstantina restitue des récits souvent occultés ou perturbés par la colonisation, offrant une lecture vivante et poétique des histoires Gadigal et établissant un dialogue entre mémoire, tradition et représentation du monde moderne. Konstantina collabore actuellement avec le British Museum dans le cadre d’un projet de recherche consacré aux objets Gadigal conservés dans ses collections. Ce travail donnera lieu à une exposition prévue en 2027 à Londres, intitulée Gadigal Yilabara Wala - Gadigal Now and Then. Ces recherches nourrissent également sa pratique et inspirent certaines séries présentées dans l’exposition de la galerie. Le titre de l’exposition renvoie directement à la relation profonde que les peuples aborigènes entretiennent avec leur territoire. En langue Gadigal, Ngura signifie le pays, la terre qui nourrit et soutient la vie, et Birrung évoque le sentiment d’appartenance et de connexion spirituelle au lieu. Ensemble, ces termes expriment l’idée que le lien au pays dépasse la simple géographie : il est fondamental pour l’identité, la culture et la mémoire collective. L’exposition invite ainsi le visiteur à percevoir le territoire non seulement comme un espace physique, mais comme un système vivant de savoirs, de récits et de pratiques culturelles transmis de génération en génération. Konstantina | Birrung Ngura – Belonging to Country invite ainsi le visiteur à comprendre la force et la profondeur du lien des Gadigal avec leur territoire, la continuité des savoirs ancestraux et la vitalité de l’expression culturelle aborigène contemporaine. À travers ces œuvres, l’artiste célèbre la mémoire, la résilience et l’identité, et rappelle que le pays, ses histoires et ses récits font partie intégrante de la vie et du tissu social de l’Australie.

### **«  Énergies au féminin  »** Dans un double programme flamboyant, le Festival Paris l’été célèbre le talent au féminin dans le Forum, ancienne salle de bal du Palais de la Porte Dorée. Amalia Salle, façonne, avec un hip-hop hybride et sur mesure, Les Quatre Saisons de Vivaldi, habitées par cinq danseuses entraînantes. Pour l’une de ses premières créations, la jeune chorégraphe mêle danse urbaine et musique baroque : un pari réussi. Pièce à vif et joyeuse, Vivaldines déploie un éclat de modernité enivrant. Quant à STUCK, Mounia Nassangar, icône internationale du whacking, signe sa première pièce chorégraphique. Par le prisme du sensible, elle y dévoile, avec un regard très singulier, la culture de ce style né aux États-Unis dans les années 1970, sur les rythmes funk et disco. Portées par leurs histoires personnelles, cinq interprètes aux corps puissants incarnent la mémoire vive d’une pratique d’urgence, née de l’oppression. **En partenariat avec le Palais de la Porte Dorée**

### **«  Strass, souffle et insoumission  »** Avec La Bouche, Soa de Muse, Mascare, Bili Bellegarde et Grand Soir investissent le cabaret comme un espace de parole directe et de plaisir partagé. Drag, chant, présence scénique : dans la sublime cour d’honneur du Palais Galliera, tout s’entrelace dans une soirée affranchie des codes, portée par un élan de liberté. Si les performances se renouvellent constamment selon l’actualité, toutes restent liées par une essence commune : une imagination sensuelle, punk, pop, sincère, poétique et politique. De Sexy Sushi à Céline Dion, en passant par Michel Berger ou Malavoi, la musique surgit comme par surprise, puis disparaît pour laisser place au texte ou au silence. L’humour circule, tantôt mordant, tantôt tendre, mais toujours dans le mille. Plus qu’un numéro, La Bouche est une rencontre : un cabaret vivant et jubilatoire. **En partenariat avec le Palais Galliera, musée de la Mode de Paris et Paris Musées**

Billetterie officielle : Hormur → https://url.hormur.com/089c6d8b (seules les réservations faites sur Hormur sont valables) Plongez dans une expérience musicale unique avec Flanelle Kemias, le 24 juillet à Paris. Dans la cave voûtée du Studio M', découvrez sa pop indie alternative, mêlant compositions originales et reprises. Ce cadre intimiste promet une rencontre privilégiée avec l'artiste, ses influences 90s/2000s et ses créations personnelles. Un moment rare pour les amateurs de musique en quête d'authenticité. Les places sont limitées, ne manquez pas cette soirée exceptionnelle où chaque note résonne comme un secret partagé. 📅 24/07/2026 📍 Studio M', Paris 12ème 🎟️ À partir de 10 €, places limitées → Découvrez l’artiste et réservez votre place sur hormur.com Soutenez la scène locale et vivez une rencontre à taille humaine entre artiste, hôte et public — réservez sur Hormur pour sécuriser votre place et recevoir l’adresse précise : https://url.hormur.com/089c6d8b

### **« Bricoler le monde à coups de salto »** Ils arrivent comme une bande de copains décidés à faire revivre l’enfance à hauteur d’adulte. Présenté dans deux lieux historiques d’exception – au Jardin des Tuileries - Domaine du Louvre et devant la Villa Savoye, monument national signé Le Corbusier – Clan Cabane transforme l’espace public en terrain d’aventures acrobatiques, où le jeu devient une affaire prodigieuse. Porté par cinq artistes de cirque tout feu tout flamme, le spectacle invente un langage physique fait de trampolines, de bastaings de bois et de ferveur partagée. Les structures se montent et se déplacent au rythme des corps qui s’y risquent avec malice et virtuosité. Ici, on construit pour mieux sauter, on chute pour mieux recommencer. La musique jouée en direct accompagne cette architecture vivante avec panache. Clan Cabane célèbre le collectif, l’envol et l’audace, dans un cirque époustouflant où l’imaginaire prend appui sur le réel. **En partenariat avec les Étés du Louvre et du Centre des monuments nationaux dans le cadre de Vivant Monument**

Du 24/07/2026 au 26/07/2026 Espace François Mitterrand | Saint-Dié-des-Vosges Gratuit Le Festival International Déod’Art est un événement artistique annuel organisé à Saint-Dié-des-Vosges, par l’association "Les Arts en Déodatie". La dixième édition se tiendra les 24 , 25 et 26 juillet 2026 à l’ Espace François-Mitterrand Un rendez-vous artistique international Ce festival rassemble des artistes de divers horizons — France, Belgique, Allemagne, Italie— qui exposent et vendent leurs œuvres : peinture, photographie, sculpture, dessin, graffiti, métiers d’art. C'est sous le thème " T'es quoi toi ?" que nous vous invitons à nous rejoindre et plonger dans differents univers artistique . L’événement est gratuit et ouvert à tous : \- Vendredi 24 juillet : 14h à 19h \- Samedi 25 juillet : 10h à 19h \- Dimanche 26 juillet: 10h à 18h Au programme : performances, démonstrations ( sculpture à la tronçonneuse ), créations sur place (forge , verre ), et une grande fresque participative pour les visiteurs. Vous pourrez participer à l'animation d'Angeline Dissoubray souffleuse sur verre tout public , accessible personnes à mobilités réduites ; animaux autorisés, buvette

### **« Ensemble, c’est tout »** Avec Anne-Sophie Turion, le public devient le cœur battant du spectacle. Après avoir sillonné le quartier Bastille l’été dernier, la voilà qui se glisse dans l’ancienne bibliothèque universitaire de Sorbonne Nouvelle pour explorer avec humour et poésie nos facultés d’attention, fragilisées à l’ère du tout-numérique. Tout au long du spectacle, chacun·e est guidé·e par une partition individuelle, fait son chemin et influence celui des autres. Prenant à rebours ce que l’on peut attendre d’une création participative, le dispositif fait du public le cœur et le moteur de l’action. Mais, ici, tout se fait l’air de rien, par de micro-actions presque invisibles, des moments d’introspection, de lecture, d’observation... Peu à peu, nos gestes infimes entrent en résonance les uns avec les autres et fabriquent une expérience collective singulière : des rencontres se créent. Les attentions se portent sur le détail, le juste ici, l’inconnu·e en face de soi. Avec douceur et malice, La pièce construit un espace d’écoute de l’autre et du présent, où l’ordinaire ouvre le champ de l’intime. Faire œuvre commune, sans même s’en rendre compte ! **En partenariat avec Césure - Plateau Urbain**

Cet été, les arènes de Montmartre s'ouvrent pour accueillir les Arènes Lyriques : une saison musicale unique en plein air. Du 22 juillet au 15 août, les Arènes Lyriques présentent _E Fra le nubi d'or_ — "Parmi les nuages d'or", un concert unique qui fera résonner la puissance de l'opéra romantique avec la légèreté de la soul. Les huit solistes invités et l’Orchestre des Arènes Lyriques se réunissent dans un cadre merveilleux pour vous faire vivre un moment à la fois intimiste et spectaculaire dés la tombée de la nuit. _**Les solistes, du 22 juillet au 1er août :**_ Clara Orif (soprano), Jean-François Marras (ténor), Louise Bianco (voix soul), Kim Bernard (piano). _**Les solistes, du 5 au 15 août :**_ Anara Khassenova (soprano), Jérémie Schütz (ténor), Laurine Moullet (voix soul), Alexandre Lombard-Buffet (piano). _**Oeuvres phares :**_ Arturo Márquez — Danzón No2 Nina Simone — _My baby just cares for me_ Giacomo Puccini — Turandot, _Nessun dorma_ Alfredo Catalani — La Wally, _Ebben? Ne andrò lontana_ Dans La Wally, Alfredo Catalani conclut l’air _Ebben? Ne andrò lontana_ par ces derniers mots : _E Fra le nubi d’or_, "Parmi les nuages d'or". Un dernier moment suspendu qui viendra clore chaque soirée et donne son nom à la saison 2026 des Arènes Lyriques ✨

### **« Folklore  : mode d’emploi »** Dans le sublime Pavillon Sud du Petit Palais, trois danseur·ses entrent en scène comme on pénètre en terrain connu. Leurs gestes évoquent la tradition, les rythmes familiers, une mémoire collective. Mais très vite, la mécanique dérape… Avec Adentro!, la chorégraphe Diana Szeinblum s’amuse à démonter la structure des danses folkloriques argentines pour en révéler la vitalité cachée. Les corps s’en émancipent pour inventer d’autres chemins ; ils se mettent à glisser vers l’inattendu, le jeu, la surprise… Il résulte de cette expérience de déconstruction une œuvre en soi, subtile et prodigieuse. Impossible de quitter le regard de cette fascinante partition, conçue par l’une des plus grandes signatures de la danse d’Amérique latine. **En partenariat avec le Petit Palais, musée des Beaux-Arts de la Ville de Paris et Paris Musées, avec le soutien de l’Institut français d’Argentine / Ambassade de France et de l’Onda - Office national de diffusion artistique**

KRAMER est une galerie d'art contemporain installée dans un appartement au 4e étage, 132 boulevard de Magenta, Paris 10e. Les visites se font sur rendez-vous. La Bride, exposition inaugurale de la galerie, réunit dix artistes : Annael Shavit, Gaia del Santo, Henri Chetaille, Jaakko Uljas, Jürgen Baumann, Karim Hussein, Nanna Kaiser, Padyn Humble, Signe Ralkov et Tekla Kighuraze. Vernissage le 25 juin 2026, de 17h à 21h. Exposition du 25 juin au 1er août 2026, sur rendez-vous. Contact : [contact@kramer.paris](mailto:contact@kramer.paris) kramer.paris

Profitez d'un concert de musique classique en plein air dans le cadre exceptionnel du Jardin du Palais Royal. Un orchestre local de 30 musiciens vous propose un voyage musical sous les étoiles avec des œuvres de Mozart, Beethoven et Debussy. Apportez votre plaid et savourez cette soirée magique en plein cœur de Paris.

En vadrouille depuis 30 ans sur les routes – en tant qu’auteur-compositeur-interprète- chanteur et inventeur des choses inutiles au sein du groupe Les Ogres de Barback – Fredo, le touche-à-tout, profite d’une pause bien méritée du groupe familial et hyperactif pour se lancer dans un tour de chant. Il y reprend évidemment ses propres chansons des Ogres mais aussi certaines glanées auprès de ceux qui l’ont inspiré et / ou d’amis et compagnons de scène \[Renaud, Georges Brassens, Pierre Perret, La Rue Kétanou, artistes réunionnais…\] En duo avec Clarisse Catarino, virtuose de l’accordéon \[et accompagnatrice actuelle de Renaud\], Fredo propose un spectacle, concert, tour de chant, gala… – appelez-ça comme vous le voulez – où se mêlent chansons, textes parlés, improvisations, bonne humeur… articulés autour de ce qui reste perpétuellement son moteur : le contact humain. FredOgres de Barback Chant, guitare Clarisse Catarino Accordéon [www.fredogres.com](http://www.fredogres.com) [www.facebook.com/fredogres/](http://www.facebook.com/fredogres/) [www.instagram.com/fredogres/](http://www.instagram.com/fredogres/)

De Jean-Sebastien Bach à Giantino Scelsi en passant par des musiques traditionnelles et l’improvisation Organisé autour de la transcription de cinq Sinfoniae pour clavier de Jean-Sébastien Bach, ce programme est interprété par un trio instrumental composé d’une trompette, d’une clarinette et d’un euphonium. L’adaptation de ces chefs-d’œuvre de la musique baroque pour un tel effectif permet d’en révéler des nuances inouïes et de créer des correspondances avec un répertoire traditionnel de chansons et de danses issues d’Italie, des Balkans ou de la Nouvelle-Orléans. C’est tout autant la joie d’une fête tzigane, la douceur de l’amour que la douleur de la perte qui seront célébrées ici. Ce concert prend la forme d’un Voyage de l’écoute, où toutes les pièces s’enchaînent sans interruption ; il est rythmé par de courtes respirations contemporaines (Quatro Pezzi de G.Scelsi, Fragments pour Rameau d’A.Feydy) et par des improvisations qui permettent une réflexion sur la nature du son et une appropriation de l’espace du concert, intégrant les spectateurs dans un dispositif sonore parfois inattendu et propice à l’introspection.

**Lindigo**, mené par **Olivier Araste**, est depuis plus de vingt ans l’un des groupes de **maloya** les plus emblématiques et populaires de La Réunion. Né en 1999 à Bras-Panon, le groupe puise son énergie dans les chants, les rythmes et les cérémonies hérités des ancêtres, tout en développant une musique ouverte sur le monde. Plus de 1500 concerts, huit albums et de nombreuses collaborations internationales ont jalonné ce parcours, faisant résonner le maloya bien au-delà de l’océan Indien. Lindigo est avant tout une histoire d’amour pour La Réunion, sa terre et sa culture créole, mais aussi une aventure humaine et collective. Le groupe incarne une manière de vivre et de créer « en famille », où le collectif prime et où la musique devient un espace de partage, de transmission et de célébration. Fidèle à sa devise, « Quand tu sais d’où tu viens, tu sais où tu vas », Lindigo construit un maloya vivant, enraciné et résolument contemporain, que son fondateur nomme le « Maloya Power ». Au fil des années, le groupe a multiplié les rencontres artistiques, du Brésil à Cuba, de l’Europe à l’Afrique, collaborant notamment avec Fixi, Yarol Poupaud, Pongo, René Lacaille, Los Muñequitos de Mantanzas, Guillaume Perret, Skip&Die ou Cyril Atef, et partageant la scène avec des artistes venus d’horizons multiples. En 2019, pour ses vingt ans, plusieurs films et documentaires, dont Ahinama et la série Les Routes de Lindigo, ont retracé leurs voyages et leurs échanges culturels à travers le monde. Aujourd’hui, les huit musiciens de Lindigo proposent une création scénique où le maloya acoustique dialogue avec des influences afrobeat, mandingues ou afro-cubaines. Sur scène, leur transe jubilatoire, à la fois identitaire et ouverte, emporte tous les publics dans une célébration vibrante de la vie, de l’amour et de la force des ancêtres. . [https://youtu.be/rBN6yDF4wZ4](https://youtu.be/rBN6yDF4wZ4) . * Un concert annoncé sur l'Agenda de **Madagascar-musiques.net** \-

Un corail monumental de 7 mètres en suspension dans la grande nef de Saint-Eustache, voilà la proposition spectaculaire de Lydie Arickx : un élan vital puissant irradiant toute l’église, souffle de vie pourtant fragile, menacé, mais intensément présent, comme une membrane fragile entre visible et invisible, matière et esprit.

### **« Poésie climatique »** Mêlant vidéo, musique et performance aérienne, ANIMA plonge le public, avec poésie, dans une expérience sensorielle hors du temps. Dans la somptueuse Cour d’Honneur de la Monnaie de Paris, nous voilà témoin d’un décor en perpétuelle évolution, de la luxuriance des palmiers dattiers à l’émergence d’un désert lunaire, métaphore saisissante des bouleversements climatiques. Par ce dispositif aussi élaboré que délicat, guidé par la musique envoûtante de Chloé Thévenin, la metteuse en scène Maëlle Poésy et la photographe Noémie Goudal créent une oeuvre hypnotique. Un voyage visuel sublimé par la présence de la circassienne Mathilde Van Volsem qui, dans une chorégraphie en suspension de Chloé Moglia, entre grâce et tension, nous confronte à notre propre vulnérabilité face aux forces de la nature. **En partenariat avec la Monnaie de Paris et avec le soutien du Crédit Coopératif** [**Lien vers la page spectacle du site internet du Festival Paris l'été**](https://www.parislete.fr/fr/le-programme/anima)

### **« Au feu la norme ! »** À la nuit tombée, au coeur du Bois de Boulogne, dans le Théâtre de Verdure du Jardin Shakespeare, écrin idéal pour une pensée en mouvement, Adèle Haenel et Caro Geryl convoquent l’oeuvre de Monique Wittig. Figure majeure du Mouvement de libération des femmes et pionnière des études de genre et du lesbianisme radical, l’autrice analyse dans La Pensée straight l’hétérosexualité comme régime politique. Sous les arbres, la lecture devient récit vivant : musique, voix, silence et écoute composent un moment suspendu. Il ne s’agit pas d’expliquer la théorie, mais de la faire passer par les corps et l’émotion. Le public forme une communauté éphémère venue ressentir et comprendre. Pendant ce temps arraché au monde, les mots deviennent des leviers. Voir clair, ici, signifie repartir plus lucide et plus fort·e. **En partenariat avec le Théâtre de verdure du Jardin Shakespeare - Théâtre Saisonnier** [**Lien vers la page spectacle du site internet du Festival Paris l'été**](https://www.parislete.fr/fr/le-programme/voir-clair-avec-monique-wittig)

### **« La ville, portée à bout de bras »** Avec Les Voyages, le Collectif XY, qui sillonne le monde entier avec ses oeuvres hors normes, investit l’espace public parisien pour en révéler la poésie cachée. Dans le 19e arrondissement de Paris, du Lycée Henri Bergson à la pelouse du Parc de la Villette, les artistes construisent, à même la ville, des architectures humaines fondées sur la confiance et l’attention à l’autre. Les corps se portent comme par magie, composant un langage acrobatique à ciel ouvert. La solidarité devient alors le ciment de sculptures éphémères et spectaculaires ! En amont de ces deux grands rendez-vous, des impromptus pourraient surgir sans crier gare tout au long de la semaine – comme la flânerie au parc des Buttes-Chaumont, glissés dans le tissu urbain tels des surprises offertes à ses habitant·es. Des apparitions pour préparer le terrain de l’émerveillement… **En coréalisation avec La Villette** [**Lien vers la page spectacle du site internet du Festival Paris l'été**](https://www.parislete.fr/fr/le-programme/les-voyages-experience-36)

### **« Remède à la mélancolie »** Et si la danse devenait une arme pour la paix ? Portée par les frères Ben Aïm – Christian et François – Tendre colère explore ce point de bascule où l’émotion déborde sans jamais exploser. Les corps oscillent entre fureur et tendresse, traversés par une tension douce. La colère affleure pour mieux se transformer, par glissements, par gestes suspendus. Rien de frontal ici : tout passe par l’écoute et la relation à l’autre. Dans une spirale d’énergie, teintée d’humour et d’utopie, dix interprètes se laissent emporter par une force fraternelle sur la scène du Jardin des Tuileries : solo, duo, trio, quatuor ou scènes de groupe s’enchaînent sur une musique irrésistible. La puissance de la troupe emporte tout. L’intime rejoint le collectif et convertit l’émotion en baume réparateur. **En partenariat avec Les Étés du Louvre** [**Lien vers la page spectacle du site internet du Festival Paris l'été**](https://www.parislete.fr/fr/le-programme/tendre-colere)

Billetterie officielle : Hormur → https://url.hormur.com/1ca37919 (seules les réservations faites sur Hormur sont valables) Envie d'une parenthèse musicale hors du temps ? Rejoignez Céline Mauge pour un concert folk intimiste à la Salle Saint-Fargeau. Avec sa voix reconnaissable et son talent pour envelopper les mots de poésie, Céline vous invite à un voyage sonore entre ballades en français et reprises anglaises. Dans une ambiance conviviale, partagez ce moment avec une vingtaine de privilégiés. Installé confortablement, laissez-vous porter par la douceur de sa guitare et les notes du piano à queue Yamaha C3. Ce rendez-vous unique est une opportunité rare de découvrir une artiste talentueuse dans un cadre chaleureux. 📅 11 juillet 2026 📍 École de musique, Paris 20ème 🎟️ À partir de 10 €, places limitées → Découvrez l’artiste et réservez votre place sur hormur.com Soutenez la scène locale et vivez une rencontre à taille humaine entre artiste, hôte et public — réservez sur Hormur pour sécuriser votre place et recevoir l’adresse précise : https://url.hormur.com/1ca37919

On est trop contents de retourner dans l’un de nos spots préférés : le Cirque Electrique ! Ce sera kids friendly l'après-midi (gratuit jusqu'à 12 ans) et on espère bien que vous viendrez déguisés. Notre jury délibèrera et il y aura une coupe, des peluches et des bières offertes aux dix meilleurs costumes... La coupe du vainqueur donnera gratuitement accès, sur présentation du trophée, à toutes les Microclimat pendant un an, donc jusqu'à fin juillet 2027 ! Au programme : disco/house/techno, stands de kermesse, spectacle pour les enfants à 16h sur le parquet de bal, et grand spectacle sous chapiteau à 19h avec les artistes du cirque Electrique, avant la teuf finale sur deux dancefloors 🌈🎂🍾 Alors sortez les costumes, on vous embarque à la MICROCLIMAT ELECTRIQUE ! On a serré les prix au max : le ticket d’entrée coûte 10€, et si vous voulez inclure le spectacle ça coûte 15€ (un spectacle seul c'est normalement une vingtaine d'euros, tout le monde fait un gros effort pour vous proposer un tarif aussi bas). Si le spectacle vous intéresse, pensez à prendre votre place à l'avance, on ne peut rentrer que 400 personnes sous le chapiteau.

### **Festival Paris l’été** **3 SAISONS ET 1 CORPS** ------------------------ **par Mohammed Al QUDWA** ------------------------- ### **artiste et poète palestinien de Gaza** **\> texte parlé en anglais et en arabe sur-titré en français** **\> Discussion avec Amnesty International le vendredi 31 juillet à 20h (Gratuit** [**sur réservation**](https://www.parislete.fr/fr/le-programme/discussion-avec-amnesty-international)**)** **\> Bar et petite restauration** \----- Que transmettre lorsque l'on a tout perdu, que l'on a dû partir précipitamment, sans bagage ? L'artiste et poète palestinien **Mohammed Al Qudwa** a déjà vécu cinq guerres à Gaza. Il interroge l’enfant et l’adolescent qu’il était, le jeune adulte qui a dû quitter précipitamment le nord de Gaza pour le sud, laissant derrière lui ses souvenirs et la mémoire de sa vie passée. En évoquant la destruction d’un territoire et de son histoire, Mohammed Al Qudwa interroge l’avenir et la possibilité de l’espoir. Porté en production par le Théâtre Dijon Bourgogne (TDB) et accompagné par le programme PAUSE du Collège de France, il crée avec ce solo un spectacle transdisciplinaire qui mêle théâtre, danse et karaté. Il met les mots sur l'indicible, et la manière dont la guerre détruit les corps et les mémoires. \----- « Je traverserai désormais seul ce chemin, laissant derrière moi les restes de quelques amis, au sud du pays, les souvenirs mûris au fil de deux années, et l’obscurité gorgée de vent et de cendre. » \----- **Mohammed Al Qudwa** est poète, écrivain, et artiste palestinien originaire de Gaza. Sportif de haut niveau en karaté dans l’équipe nationale, il est également étudiant en informatique. Il anime des ateliers d’écriture créative en collaboration avec plusieurs institutions culturelles majeures, telles que l’Institut Tamer pour l’éducation communautaire à Gaza et la Fondation arabe pour l’expression numérique (ADEF) en Égypte. Il publie en 2022 son premier roman en arabe, "The Final destination" (ou "Last destination") ainsi que plusieurs poèmes aujourd'hui traduits en anglais et en français. Depuis 2025, il est installé en France grâce au programme SAWA SAWA, puis en tant que lauréat du programme PAUSE porté par le Collège de France. Il a été invité au Napoli Teatro Festival Italia, Festival de théâtre de Naples, à lire ses poèmes, participe aux Jeunes ESTivants ainsi qu'au Festival d'Avignon en 2025. Il a été invité à Théâtre en mai 2025 à lire ses poèmes dans le cadre de Radio en mai, la radio du festival, et a participé à La Semaine des écritures contemporaines du TDB en décembre 2025. \----- Texte, jeu et conception Mohammed Al Qudwa Mise en scène Martha Kiss Perrone, Mohammed Al Qudwa Dramaturgie Maëlle Poésy Musique Anelena Toku Collaboration musique Waseem Al Sisi, Juliano Abramovay Collaboration danse Aurore Giaccio Création lumière Sebian Falk-Lemarchand en alternance avec Giorgia Tolaini Scénographie Jeanne Knoplioch Régie générale et son Robin Charlet Traduction française Omaïma Machkour Surtitre et collaboration artistique Lynda Rahal \----- Production Théâtre Dijon Bourgogne, Centre dramatique national Coproduction Nouveau Théâtre Besançon, Centre dramatique national / Passages Transfestival / NEST, Centre dramatique national transfrontalier de Thionville-Grand Est / MA, Scène nationale de Montbéliard Soutien Festival Paris L’été / Transversales, Scène conventionnée Cirque / Festival d’Automne / Espace des Arts, Scène nationale Chalon-sur-Saône / La Vapeur, SMAC de Dijon Remerciements Le Plus Petit Cirque du Monde / Les Gémeaux, Scène nationale / Théâtre Silvia Monfort \----- Le Théâtre Dijon Bourgogne bénéficie du soutien du programme PAUSE, programme national d’accueil en urgence des scientifiques et des artistes en exil, porté par le Collège de France.

« À l’heure d’été », c’est un programme de manifestations musicales et cinématographique en plein air à l'Institut suédois. Dans le cadre de ce programme, Ellen Arkbro fait résonner « Nightsong » et des compositions pour orgue solo à la tombée du jour, dans notre écrin de verdure. La force d’attraction de la musique d’Ellen Arkbro réside dans les enchaînements d’accords – non seulement dans leurs transformations harmoniques, mais aussi dans la temporalité de leur déploiement. La musique se fait architecture éphémère, à l’image de nuages dérivant dans le ciel. « Nightsong » est une nouvelle composition pour un trio de violes de gambe. La pièce consiste en une progression d’accords qui s’étire, tel un voyage mélancolique. Les interprètes – Adam Grauman, Samuel Runsteen et Nicole Hogstrand – sont intimement engagé⸱es dans l’accord de chaque harmonie, en quête de clarté sonore, comme un seul corps. L’œuvre a été créée pour la Biennale Musica La Stella Dentro en 2025. La soirée se poursuivra avec des compositions pour orgue solo. Ellen Arkbro (née en 1990) est compositrice, musicienne et artiste sonore. Son travail explore des harmonies fondées sur des accords d’une grande précision. Elle compose pour des instruments acoustiques et/ou des sons synthétiques, et réalise également des installations sonores. Elle conçoit l’écoute comme un processus actif, invitant progressivement l’auditeur⸱rice à se transformer au contact du son. Arkbro a présenté des œuvres in situ notamment au Barbican à Londres, à la Kölner Philharmonie, à Serralves à Porto, à l’Issue Project Room à New York, à l’Oude Kerk à Amsterdam, à Silent Green à Berlin, à l’Ina GRM à Paris et à l’église Temppeliaukio à Helsinki.

Rejoignez des experts internationaux pour une journée complète de débats et de conférences sur l'impact de l'intelligence artificielle sur notre société. Au programme : tables rondes, présentations scientifiques, témoignages d'entreprises et sessions de networking. Une opportunité unique d'échanger avec les acteurs du secteur. Places limitées, inscription obligatoire.

**ATTENTION : fin des inscriptions : 15 mai 2026.** **Formation à distance.** ### Programme de la formation **Se repérer dans l’histoire de la Chanson** Chanson française et francophone Les esthétiques actuelles Les tubes **Appliquer les règles et techniques d’écriture** Règles de versification, structure et musicalité du texte Écrire au service du sens Choisir et traiter un sujet Travailler le sens, le son, le rythme, la progression Mettre en œuvre des techniques pour débloquer son imaginaire **Adapter ses techniques d’écriture à l’univers musical du compositeur ou de l'interprète** Écrire sur de la musique et expérimenter différentes esthétiques (chanson, rap, musiques trad…) Adapter une chanson étrangère Concevoir une méthode de repérage de la métrique d’une mélodie **Identifier les contextes professionnels du métier de parolier** Se repérer dans le contexte juridique du droit d’auteur (protection et exploitation des œuvres) Décoder les enjeux de l'édition musicale et la place de l'éditeur dans une carrière d'auteur

Retrouvez HK et ses ami-e-s musicien-nes à Paris, le dimanche 5 juillet à 21h, en ouverture de la Goutte d'Or en fête, avec le festival Rhizomes ! **Un concert aux allures de bal populaire**, des textes et des mélodies contagieuses, une irrévérence joyeuse, des refrains qui nous ressemblent, des idées qui nous rassemblent, des mélodies de violons et d'accordéon qui nous embarquent sans plus attendre, une poésie à la fois combative et tendre, sur une musique toujours aussi entraînante ! La fête de la Goutte d’Or fêtera cette année ses 40 ans d’engagements et de militantisme célébrant la diversité culturelles qui cohabitent au sein des quartiers populaires du Nord de Paris, la résistance à toute forme de racisme et de discrimination sociale, ethnique et religieuse. 🎫 Concert gratuit 📍Square Léon, 20 Rue des Gardes, 75018 Paris Ⓜ️ MÉTRO 2-4 : Château Rouge / Barbès-Rochechouart 🚌 BUS 31 / 56 / 302 ⏰ 21h ℹ️ + d'infos : [https://www.festivalrhizomes.fr/](https://www.festivalrhizomes.fr/)

Festival Européen Jeunes Talents 2026 Du 5 au 25 juillet 2026 Depuis plus d'un quart de siècle, Jeunes Talents révèle et accompagne les artistes classiques de demain en leur offrant leurs premières grandes scènes et en favorisant leur rencontre avec tous les publics. Alors que nombre de festivals quittent la capitale durant l'été, Jeunes Talents fait résonner la musique classique au cœur de Paris, offrant au public une rencontre unique entre patrimoine et jeunes artistes d'exception. Du 5 au 25 juillet 2026, le Festival Jeunes Talents investira la prestigieuse Cour des Grands Dépôts des Archives nationales de Paris 3e , ainsi que des lieux en Île-de-France, pour une nouvelle édition placée sous le signe de l'excellence, de la découverte et du partage. Pendant trois semaines, de jeunes musiciens venus de toute l'Europe proposeront une programmation riche et éclectique : musique de chambre, récitals, créations, voyages musicaux et rencontres inédites. Chaque concert sera l'occasion de découvrir des interprètes d'exception au seuil de leur carrière. Fidèle à sa mission, Jeunes Talents poursuit son engagement en faveur de l'émergence artistique et de l'accès de tous à la musique classique, dans un esprit d'exigence, de transmission et d'ouverture. Le Festival Jeunes Talents 2026 réunira ainsi artistes, partenaires et mélomanes autour d'une même conviction : l’élitisme pour tous.

Pour donner à voir et faire vivre la [**campagne photo participative**](https://www.caue75.fr/demarches-participatives/atlas-de-paysages/observatoire-photo) en cours (jusqu'au 30 novembre 2026), le CAUE de Paris propose une [**exposition**](https://openagenda.com/fr/caue75/events/reveler-levolution-des-paysages-parisiens?cl=fr) à La Roche, en partenariat avec la Ville de Paris. [**Inscrivez-vous pour participer au vernissage !**](https://caue.pr-rooms.com/release.aspx?ID=229232) Une visite guidée sera proposée à cette occasion. Découvrez une sélection des contributions déjà déposées sur l'Observatoire photo participatif des paysages parisiens, révélant par des diptyques les transformations survenues entre 1970 et aujourd'hui. L'exposition replace la campagne et l'Observatoire au cœur de l'[**Atlas de paysages de Paris**](https://www.paysages-paris.fr/), outil commandé par l'État et la Ville de Paris, produit par le Habitat Research Center (EPFL) et mis en ligne en 2024. En associant les principales strates de l'Atlas aux photographies de l'Observatoire, cette exposition rouvre le dialogue entre analyses et perceptions.

Pour donner à voir et faire vivre la [**campagne photo participative**](https://www.caue75.fr/demarches-participatives/atlas-de-paysages/observatoire-photo) en cours (jusqu'au 30 novembre 2026), le CAUE de Paris propose une exposition à La Roche, en partenariat avec la Ville de Paris. Découvrez une sélection des contributions déjà déposées sur l'Observatoire photo participatif des paysages parisiens, révélant par des diptyques les transformations survenues entre 1970 et aujourd'hui. L'exposition replace la campagne et l'Observatoire au cœur de l'[**Atlas de paysages de Paris**](https://www.paysages-paris.fr/), outil commandé par l'État et la Ville de Paris, produit par le Habitat Research Center (EPFL) et mis en ligne en 2024. En associant les principales strates de l'Atlas aux photographies de l'Observatoire, cette exposition rouvre le dialogue entre analyses et perceptions. **Contribuez vous aussi à cette exposition en participant à la campagne photo !** [**Rendez-vous sur la plateforme**](https://observatoire-photo.paris/)

**Porte Voix** est un festival de podcast visant à faire entendre les voix singulières du Maroc d’aujourd’hui, qui prendra pleinement part à la dynamique de coopération artistique internationale lancée par la Saison Méditerranée 2026. Depuis sa création, **Point Éphémère** s’attelle à faire résonner la création sonore au sein d’une programmation pluridisciplinaire défricheuse. D’une rencontre avec le studio indépendant marocain **Les Bonnes Ondes** grâce au **Festival Amwaj**, est née une volonté de construire ensemble un évènement entre Paris et Casablanca faisant la part belle aux récits sonores et artistiques marocains et de la diaspora. C’est ainsi que le festival Porte voix, élaboré par Point Éphémère, Amwaj et Les Bonnes Ondes, entend ouvrir un espace artistique d’écoute, de partage et de réflexion à Paris. **Au programme :** Une performance de Kenza Berrada et du KABAREH CHEIKHATS; un takeover du festival Amwaj entre écoute collectives de podcasts, tables rondes et ateliers ; des concerts, une expo, de la food et autres expérimentations sonores les 3 & 4 juillet 2026.

**Culture de Palestine** ------------------------ ### **expressions de lutte et de résistance.** La culture palestinienne joue un rôle essentiel dans l’identité palestinienne, l’occupation tente chaque jour de l’effacer mais elle résiste, l’occasion d’en parler ensemble et de découvrir des artistes palestiniens qui œuvrent au quotidien. 🇵🇸 Un après-midi d’immersion culturelle et engagée. \----- ### **🍉 Au programme :** \- Défilé de mode célébrant le patrimoine palestinie \- Stands \- Tables rondes \- Performance artistique \- Atelier et exposition \- Restauration palestinienne

Toni retrouve la liberté, travaille dans le bar de son oncle et retourne vivre chez sa mère Betty, avec qui les relations sont tendues. Cette dernière a élevé Anna, la fille qu’elle a eue avec Max, son amour d’enfance, pour lequel elle est allée en prison. Toni devra faire preuve de combativité pour se libérer d’un environnement toxique et prendre sa place en tant que mère et femme libre… (2025 – Belgique/Canada Québec/Pays-Bas – 1h48)

Venez découvrir les meilleurs artistes de la scène jazz locale dans une ambiance chaleureuse et intimiste. Une nuit inoubliable mêlant improvisation, swing et passion musicale au cœur de Paris. Le groupe réunit des musiciens professionnels issus des plus grandes scènes françaises. Réservation conseillée, places limitées.

« À l’heure d’été », c’est un programme de manifestations musicales et cinématographique en plein air à l'Institut suédois. Dans le cadre de ce programme, le duo Maria W Horn et Mats Erlandsson livre une performance sonore immersive dans le jardin. Maria W Horn et Mats Erlandsson déploient une collaboration de longue date autour de musique électronique, pièces électroacoustiques, albums enregistrés, performances d’orgue à tuyaux à quatre mains. Au cœur de leur travail se niche un intérêt pour les empreintes psychologiques et historiques que les lieux et les objets conservent, révélées par le son. Pour cette soirée, le duo conçoit une architecture musicale qui invite le public à s’attarder, à circuler librement et à se laisser porter par de subtils glissements de couleurs sonores mêlant cithare amplifiée et musique électronique. Un concert à vivre comme une expérience d’écoute prolongée, entre contemplation, immersion et dérive sensorielle – à l’heure dorée un soir d’été. Maria W Horn fait appel au son synthétique, à des instruments électroacoustiques et acoustiques, ainsi qu’à des composantes audiovisuelles. Elle conçoit des processus génératifs et algorithmiques pour contrôler le timbre, l’accordage et la texture. Sa musique explore les propriétés spectrales du son et sa capacité à transcender le temps et l’espace, la réalité et le rêve. Mats Erlandsson s’inscrit en plein dans le renouveau de la musique drone à Stockholm. Sa musique déploie lentement des paysages harmoniques minutieusement accordés, qui se densifient et s’ouvrent à mesure qu’ils se forment. Parallèlement à leur travail commun, Maria W Horn et Mats Erlandsson poursuivent leurs pratiques individuelles et dirigent ensemble le label XKatedral, dédié aux musiques expérimentales. Les répétitions dans l’après-midi ouvriront la voie à un son tout particulier qui embarquera le jardin jusqu’au concert du soir.

🌌𝑸𝒖𝒂𝒏𝒅 𝒍𝒆 𝒄𝒊𝒆𝒍 𝒓𝒆𝒄𝒖𝒍𝒆 - 𝑬𝒙𝒑𝒐𝒔𝒊𝒕𝒊𝒐𝒏 𝒄𝒐𝒍𝒍𝒆𝒄𝒕𝒊𝒗𝒆 𝒂𝒓𝒕-𝒔𝒄𝒊𝒆𝒏𝒄𝒆 à Wilde Le Lieu De l'infiniment grand à l’infiniment petit, la modernité scientifique a cherché à tout éclairer, tout rendre net et mesurable, jusqu’à faire "reculer le ciel". Pourtant, sous ce nouveau ciel, l’opacité du monde n’a pas disparu. Ce flou contemporain n'est plus celui prémoderne, mais persiste dans l'incertitude épistémique, environnementale et sociale. Un inconnu que la science continue de produire en avançant, et l'art de révéler en déplaçant le regard. Aussi, si la modernité a fait reculer le ciel, elle ne l’a pas pour autant laissé vide. Quand le ciel recule est une exposition collective art-science qui explore ces territoires incertains. À la manière d'un opérateur de cinéma jouant avec la focale, elle fait alterner le net et le flou, la clarté et l'obscurité, pour troubler nos certitudes et ouvrir de nouveaux espaces de perception. C'est précisément dans ces zones d'ombre persistantes que naissent les questions les plus vives, et les démarches artistiques et scientifiques les plus fertiles. De l'infiniment grand à l'infiniment petit, quel place reste-t-il pour l'inconnu, le flou, le clair-obscur lorsque la science repousse les frontières de la connaissance ? Du 1er au 12 juillet 2026, on vous invite à découvrir Quand le ciel recule à Wilde – Le Lieu. Collectif art-science : Béatrice Albert · Charles Menard · Élise Morin · Ikse Maître · Nicola Lorè · Mariejulie Bourgeois · Marie Truffier · Nadia de Bernardi · Sami Korhonen · Tim Schneider · Vincent hulot 📍 Wilde Le Lieu 📅 Du 1er au 12 juillet 2026 🕚 De 11h à 21h 🎟️ Entrée libre Cette exposition est soutenue par Wilde – Le Lieu, l'Université Paris-Saclay, le projet Résonances Art-Science Paris-Saclay, Le sas et l'Académie du Climat. Tout au long de l'événement, une programmation associée viendra prolonger les échanges : une journée de couplage et des performances, rencontres, projections, ateliers, lectures, concerts et moments conviviaux. Merci à tous les artistes et scientifiques qui interviendront lors des événements de Quand le ciel recule : Valérie Masson-Delmotte, Jens Hauser, Sabrina Calvo, Filippo Fabbri, Julie Sicault Maillé, Lucy Winkelmann, Mùden Water, Charlotte Mariel, Assim Kalouaz, Giovanni Perolo, Zéphir Lorne, Olivier Renouf et le collectif La Plaine. Pour découvrir l'exposition, le programme et s'inscrire à la journée de couplage et aux ateliers : [https://lnkd.in/eAw\_V8xq](https://lnkd.in/eAw_V8xq)

Billetterie officielle : Hormur → https://url.hormur.com/72106fd7 (seules les réservations faites sur Hormur sont valables) Plongez dans une soirée unique de stand-up avec Cafuse, dans une cave voûtée en plein cœur du 12ème arrondissement de Paris. Ce lieu habituellement dédié aux danses du monde se transforme pour accueillir des talents humoristiques, offrant une expérience intimiste où la pierre et l'humour se rencontrent. Présentations en français, anglais et espagnol pour que chacun puisse rire à pleines dents. L'ambiance conviviale est renforcée par la possibilité de se désaltérer au bar sur place. Une occasion rare de découvrir des artistes dans un cadre aussi chaleureux et authentique. 🎭 Ne manquez pas cette soirée exceptionnelle ! 📅 18 juillet 2026 📍 Studio M', Paris 12ème 🎟️ À partir de 10 €, places limitées → Découvrez l’artiste et réservez votre place sur hormur.com Soutenez la scène locale et vivez une rencontre à taille humaine entre artiste, hôte et public — réservez sur Hormur pour sécuriser votre place et recevoir l’adresse précise : https://url.hormur.com/72106fd7

**Line up : Stéphane hoareau, Romane Deconfin** Discobole Cie & Label est conventionnée DRAC sur la période 2025 2026.

**Samedi 27 juin**, Le Festival d’Été du Cabaret Sauvage se pare des couleurs de la Réunion avec **P.L.L** et **Sueilo**. • **PLL** Formé en 2014 à Saint-Louis, P.L.L s’impose comme l’un des fers de lance de la nouvelle scène urbaine réunionnaise, porté par Lil King, S.G et Luidgi. Fondé autour du concept “Power Love Life”, symbole d’unité, de loyauté et d’ambition, le trio développe un style entre dancehall, ragga et sonorités actuelles. Révélé avec “Move It” en 2017 aux côtés de DJ Sebb, PLL enchaîne les succès. Leur dernier album, Phase II (2024), affirme leur identité avec des hits très dansants tandis que sur scène, ils portent une musique festive et représentative de toute une génération, exportant avec fierté la culture réunionnaise. • **SUEILO** I _Première partie_ Inspirée par le groove, notamment la soul et le jazz, l’artiste réunionnaise Sueilo compose et chante en français et en Créole. Un choix qui la mènera vers un style plus afro-urbain en mélangeant afrohouse, shatta, bouyon, amapiano. Ses morceaux parlent d’amour, oui, mais avec du caractère, de l’indépendance et une vraie puissance féminine. Sur scène, Sueilo transforme chaque concert en fête dancehall où les corps répondent instinctivement aux basses. Une musique qui sent le soleil, le groove et la liberté !

Plongez au cœur du rock psychédélique avec un hommage vibrant à Pink Floyd et David Gilmour, au pied de la Tour Eiffel ! Le groupe Black Cat vous invite à une expérience musicale immersive et intemporelle le 21 juin 2026 à 19h. Dans un cadre d'exception, venez vibrer au rythme des plus grands chefs-d'œuvre qui ont marqué l'histoire du rock. Le concert se déroulera en deux actes soigneusement construits pour vous faire voyager à travers les époques : ACTE I : L'Éveil des Sens La soirée débutera avec le titre éponyme du groupe, Black Cat, avant de basculer dans l'univers hypnotique de Pink Floyd. Des riffs puissants de Coming Back to Life aux horloges retentissantes de Time, en passant par la basse mythique de Money, chaque morceau vous transportera. Cet acte fera également la part belle à l'émotion pure avec la somptueuse reprise de Between Two Points, le planant Marooned et l'incontournable hymne Wish You Were Here. ACTE II : L'Apothéose Rock Après une courte pause, la seconde partie s'ouvrira sur l'énergie brute de Rattle That Lock. Les spectateurs seront ensuite emportés par la nostalgie lumineuse de Shine On You Crazy Diamond, la mélancolie poignante de Hey You, et l'indémodable ferveur de Another Brick in the Wall. Le concert se clôturera en apothéose avec les solos magistraux de In Any Tongue et les cloches magistrales de High Hope. Une performance live intense, des solos de guitare stratosphériques et une fidélité sonore qui raviront les fans de la première heure comme les mélomanes avertis. Ne manquez pas ce rendez-vous rock unique !

### **Préparez-vous à danser à l'incontournable Fête de la Musique, BLOCK PARTY ce dimanche !** Entrée gratuite, 16h-00h30 Repas et boissons exceptionnels par fête organisateurs NAKATSU [https://www.instagram.com/nakatsu\_paris/](https://www.instagram.com/nakatsu_paris/) La BLOCK PARTY se déroule en plein air, dans la rue, mais le soleil est masqué par les immeubles de chaque côté : cest donc un endroit frais pour danser sur de la bonne musique ! DJS INTERNATIONAUX : * Adrian Salcedo [https://www.instagram.com/salsa.cph/](https://www.instagram.com/salsa.cph/) * Ko Mu [https://www.instagram.com/ko\_\_\_\_mu/](https://www.instagram.com/ko____mu/) * MatiManGO [https://www.instagram.com/sweet\_likeamango/](https://www.instagram.com/sweet_likeamango/) * DJ LXXVE [https://www.instagram.com/djlxxve/](https://www.instagram.com/djlxxve/) * Condes$a [https://www.instagram.com/dj.condessa/](https://www.instagram.com/dj.condessa/) Au programme : house, tech, disco, electro, funky et une ambiance de folie ! 25 Rue Ramey 75018 Paris

☀️🏝️ LA SHATTARENA #6 – SPÉCIAL FÊTE DE LA MUSIQUE 🏝️☀️ Le dimanche 21 juin Le Bal Tropical de Paname, Le Mos et Groovalizacion s'associent encore une fois pour célébrer la Fête de la Musique au bord de la Seine avec une édition spéciale de La Shattarena au Barapapa, la guinguette plus groovy de Paris 12 ! ☀️💃🏾🕺🏿🎊🎧😎 Préparez-vous pour une avalanche de vibes tropicales et de rythmes brûlants venus des Caraïbes, d’Afrique, d’Amérique Latine et du Brésil ! 🔥 🔥 🔥 ⚡ In da desks 😎 🎧 Le Mos b2b Groovalizacion DJs 🍑 Twerk & Perreo Tropical 💃 Shatta 🔥 Dancehall 🌴 Bouyon 🎶 Caribbean Vibes ❤️ Kompa 🌍 Afro Vibes 🎤 Afrobeats ⚡ Amapiano 🇧🇷 Baile Funk 🇩🇴 Dembow 🌞 Reggaeton & Latino Une ambiance festive, populaire et solaire pour danser jusqu'au bout de la nuit au bord de l'eau ! 🌴🏖️🩴 🔥 Open Air Gratuit 📅 dim. 21 juin 🕕 18h → 02h 📍 Le Barapapa – Paris 12 11 Port de la Rapée #LaShattarena #FeteDeLaMusique #Paris12 #Dancehall #Shatta #Afrobeats #Amapiano #Reggaeton #BaileFunk #Dembow #Bouyon #Kompa #OpenAirParis

**Pour célébrer la musique, retrouvez dimanche 21 juin 3 concerts ainsi qu'un service de restauration et boissons sur place au Moulin à Café !** **17h-19h : The fabulous five** \> grooves festifs et de la funk internationale **19h-21h : Exvoto** \> Indie Psychedelic Rock Band, sons bruts & esprits libres ! EXVOTO évolue dans un univers indie rock où se croisent riffs hypnotiques, textures sonores planantes et émotions brutes. Le groupe puise son inspiration dans le rock psychédélique des années 60-70, Jefferson Airplanes par exemple, tout en revendiquant une approche moderne et libre héritée de la scène indie alternative, en mixant l'ancien et des titres récents, en reprenant du Britney Spears, plus rock que jamais. Un mélange surprenant, de nostalgie et de modernité, qui transforme chaque morceau en voyage sonore unique. **21h-23h : LOV** \> groupe pop grunge LOV, c’est un projet pop grunge brut et sensible, où des sonorités organiques rencontrent des textes adultes traités avec une sincérité presque enfantine.

À partir d’un tableau du peintre suédois Adolf Ulrik Wertmüller, qui fit scandale à la fin du 18e siècle en représentant Marie-Antoinette vêtue « à la turque », l’historienne de la mode Kendra Van Cleave explore l’influence ottomane dans la mode française. Offert par la reine à Gustave III de Suède, ce tableau la montre entourée de deux de ses enfants dans le cadre bucolique du parc du Trianon. Si le motif n’a, en soi, rien d’inhabituel, la tenue de Marie-Antoinette révèle une réalité plus complexe : sa robe évoque clairement des formes empruntées à la mode ottomane, tout en portant des références culturelles riches. Spécialiste du sujet, Kendra Van Cleave revient sur ces circulations stylistiques au 18e siècle. Comptes de garde-robe et portraits attestent de cette influence dans l’apparat de la reine – influence qui ne manqua pas de susciter critiques et controverses. Cette conférence s’inscrit dans le cadre de l’exposition « France, Suède et Empire ottoman : alliances artistiques » et plus largement dans notre programmation consacrée aux relations artistiques internationales au 18e siècle. La conférence (environ 1h), sera suivie d’une visite guidée de l’exposition. Kendra Van Cleave est historienne de la mode, bibliothécaire universitaire et costumière, installée dans la baie de San Francisco. Elle étudie et reconstitue le costume historique depuis près de vingt ans, avec une spécialisation actuelle sur le 18e siècle. Titulaire de masters en histoire et en sciences de l’information, elle publie régulièrement des travaux de recherches sur l’histoire de la mode. Ses reconstitutions ont été primées à plusieurs reprises. En 2023, elle a publié l’ouvrage Dressing à la Turque: Ottoman Influence on French Fashion, 1670–1800. En collaboration avec le Musée Cognacq-Jay, qui présente actuellement l’exposition « Révéler le féminin. Mode et Apparences au XVIIIe siècle » – une immersion dans l’univers fascinant des féminités au siècle des Lumières. La conférence sera en anglais.

En quoi un poète romantique du XIX siècle peut-il éclairer la catastrophe écologique en cours ? En suivant les pas de John Clare, témoin du mouvement des enclosures, Sarah Vanuxem et Antoine Constantin Caille donnent à voir l’ampleur du désastre qu’a constitué la perte de nos communs pour la biodiversité mais aussi pour les communautés paysannes et leur « droit à l’errance »… LES AUTEURICES MCF à l’Université Côte d’Azur, en délégation à l’Agence Française de Développement, pensionnaire de la Villa Médicis pour l’année 2022-2023, Sarah Vanuxem est l’autrice de La propriété de la terre et Du droit de déambuler (Wildproject, 2018, 2025). Docteur en études francophones à Lafayette (Louisiane), Antoine Constantin Caille est actuellement enseignant-chercheur en SHS, narratologie, méthodologie de la recherche, et veille sectorielle du design d’espace à l’école de design Condé à Nice. Il est l’auteur d’articles en esthétique et en traductologie ainsi que de poèmes.

Le jardin partagé fête ses 10 ans en 2026 et, pour l’occasion, organise 🍀 La fête de la musique au jardin Truillot 🎶 📆 dimanche 21 juin de 17h à minuit 📍 au jardin Truillot #Paris11 On est très heureux de vous présenter nos artistes invités 🪗 18h15 : Lucie Rolland pour un solo accordéon-voix 🧢 18h45 : La rime métisse pour un set hip-hop positif 🗣️ 19h30 : le chœur des musiques de l’Est des Musiterriens 🌍 20h : le grand chœur des Musiterriens 🎶🎤 21h : le collectif Majama prend le contrôle avec des sets de Wondi et Lullaby of doom suivis d’une grande jam ouverte : venez chanter, jouer, la scène est à vous ! Et aussi, une fête n’est jamais complète s’il n’y a pas des associations invitées qui proposent des animations écolo, alors nos partenaires seront là aussi avec 🍀 animations climat avec Citoyens pour le climat 🌸 fabrication de boules à graines avec Graines populaires 🪱 découverte compost et tamisage avec le Réseau Compost 11 ✨ une salade de fruits partagée à base d’invendus avec l’ASQP On vous attend en pleine forme dimanche prochain 💚✨🎤🪱🌸

Il faut dire NON À L'AVARICE ! Venez vous unir contre l'avarice autour de DJ sets reggae, hip-hop, techno avec des artistes du Liban, de la France, du Congo et du Rwanda. Un événement pour un monde meilleur. P.S : Venez participer à une installation artistique surprise !

Une journée professionnelle de réflexions et de découvertes portée par Escales dispositif inter-festivals de repérage et d’accompagnement au service de la création musicale jeune public francilienne, dans le cadre du Festival Pestacles/Festivals du Parc Floral de Paris : table ronde, spectacles, auditions… C’est aussi l’occasion de découvrir les quatre projets Escales #3 présélectionnés, mais aussi un des projets lauréats Escales#2, Bülbül. \+ d'infos : [https://collectifmdm-idf.org/jeune-public/](https://collectifmdm-idf.org/jeune-public/) LE PROGRAMME : \- 9h30 : accueil café \- 9h45 - 12h : auditions \- 12h -13h : temps de rencontres entre professionnels en marge de la délibération du jury \- 13h : déjeuner offert entre professionnels et équipes artistiques \- 14h30 : spectacle Bülbül (lauréat 2025), scène Delta \- 15h30 - 16h30 : table ronde, quels outils, quels moyens pour la création et la diffusion musicale jeune public à Paris ? \- 16h30 - 17h30 : pot de fin INFOS PRATIQUES : 📅 Le 24 juin 2026, de 9h30 à 17h30 📍 Parc Floral de Paris, Accès ICI 📧 [collectifmdm@gmail.com](mailto:collectifmdm@gmail.com) Escales-Tipis est porté par : le Collectif Musiques et Danses du Monde en Île-de-France, en partenariat avec Villes des Musiques du Monde et Traffix Music, avec le soutien du Conseil départemental de Seine-Saint-Denis (93), de la Ville de Paris & de la Sacem, avec le concours du réseau RamDam et du réseau RIF.

Ce beau spectacle tout public (à partir de 8 ans) prend la forme d’une création inspirée du cabaret Drag, portée par un récit autour de la figure de Clémentine Delait, la femme à barbe, et ponctué de chansons réalistes. A travers le thème de l'audace d'être soi et l'histoire de Clémentine Delait, nous abordons celui de la différence, du jugement, mais aussi celui de l'importance de pouvoir laisser s'exprimer toutes nos singularités. C'est un spectacle tout terrain créé dans une classe de CM1 à Argenteuil (95) et joué depuis dans des salles de spectacles, des maisons de quartier, des centres sociaux, des classes et autres espaces non équipés (ou très peu) pour un public scolaire ou familial à partir de 8 ans. Il est accompagné d'un bord-plateau pour échanger avec les artistes. Distribution : Écriture, conception et mise en scène : Sandrine Nicolas Jeu : Adèle Bachet Mentions : Production Echos Tangibles avec le soutien du Figuier Blanc La création de ce spectacle se fait dans le cadre de la résidence de la compagnie Echos Tangibles à Argenteuil en partenariat avec Le Figuier Blanc, la Drac Île de France, la Région Île de France et la ville d’Argenteuil.

Fête de la Musique + Coupe du Monde = on ne voit ça que tous les 4 ans ⚽️🎶 Maillot Party 👕 - de foot, de rugby, de cyclisme… n’importe lequel (maillot de bain, ça marche aussi 😋👙) Street Food • Drinks • Music 📅 Dimanche 21.06 | 14h–20h LINE-UP DE LA CASA 👯 \- @ponysirenatropical : Perreo \- @pickheras : House \- @stirred.blessings : Worldwide Club \- @whosaskin : Worldwide Club Menu et timetable soon ⏰ Nos vemos el domingo 21.06 - Besos !!!

À l’occasion de sa 4e édition, le Prix Habib Sharifi propose une soirée dédiée à une œuvre collective où se rencontrent poésie, musique et arts visuels, conçue sous la direction artistique d’Atiq Rahimi et d’Amir Sharifi. En hommage à Habib Sharifi – poète ayant vécu le déracinement à la suite de la guerre et de la révolution iraniennes – le Prix soutient des artistes issus du bassin de l’ancienne route de la soie, dont les trajectoires ont été marquées par l’exil. Il leur offre un espace de création et une scène pour faire entendre une parole singulière, à la croisée des cultures et des disciplines. Par son action, le Prix Habib Sharifi de la Conatus Foundation entend défendre les valeurs de l’Union européenne, en particulier la dignité humaine, la liberté d’expression, l’égalité entre les femmes et les hommes, les droits de l’homme et la lutte contre les discriminations. La soirée s’ouvrira par une introduction poétique de la comédienne et universitaire Leili Anvar. Au cœur du programme, un long poème de Sofía Karámpali Farhat, poétesse libano-grecque, mis en musique électro par la compositrice iranienne Ava Rasti et porté en peintures par l’artiste iranienne Soufia Erfanianen ainsi qu’en vidéo par les créations de Myriam Cohenca. Ce poème est interprétée par la chanteuse lyrique Ariana Vafadari, accompagnée de Simon Sharifi, jeune chanteur à la Philharmonie de Paris. La soirée accueille également le jeune poète afghan Abdullah Jan Nazari, invité dans le cadre du Prix Espoir.

En conceptualisant le refus de la binarité conceptuelle aussi bien que sexuelle, la déconstruction a ouvert la question de la différence sexuelle à son dépassement, et a contribué à la naissance des études de genre. La différance, concept introduit par Jacques Derrida dès les années 1960, n'a pourtant pas été perçue comme une réflexion sur la différence sexuelle. Cet ouvrage invite à revisiter les débats autour du « phallogocentrisme », des héritages féministes et de leurs critiques respectives et propose de réexaminer l’actualité de la différance sexuelle à la lumière de ces échanges théoriques. **Marie de Gandt** est maître de conférence en littérature comparée à l’Université de Bordeaux III. Elle a notamment été la « plume » de différents hommes politiques **Apostolos Lampropoulos** est Professeur de Littérature comparée – Littérature et culture à l’Université Bordeaux-Montaigne. Il est aussi impliqué dans des projets en recherche-création, ayant lieu notamment à Athènes et liant la littérature, l’art contemporain, l’anthropologie et la critique culturelle. **[Venez découvrir « Repenser la différance sexuelle » publié aux Éditions Hermann.](https://compagnie.url.fr/RepenserIndiferanceSexuelle)** Au programme : discussion et signature. Entrée libre - Livre en vente sur place.

Abandonnées par leur jeune mère car attachées par le bas de la colonne vertébrale, les siamoises Daisy et Violet Hilton vont dès leur enfance devenir des objets de foire. Intégrer une troupe va les sauver de la misère et donner un sens à leurs destinées. Formées à la musique et au chant, elles sont exhibées à Broadway puis dans le monde entier dans l’entre-deux guerres jusqu’à tourner dans le cultissime Freaks de Ted Browning. Pour Christian Hecq et Valérie Lesort, retracer ces parcours exceptionnels permet d’interroger la différence, le handicap mais aussi l’exploitation des êtres humains. Maître des effets visuels, le duo multi-moliérisé déploie de la danse, des numéros de musique et même de la magie avec Yann Frisch. Une ambiance de troupe joyeuse et solidaire pour raconter la vie hors du commun des sœurs Hilton.

Pour la seconde séance de ciné en plein air de cette rentrée et toujours dans le cadre du festival des Traversées du Marais, nous proposons le film "Sous Hypnose", portrait "hilarant et acide" (Télérama) d’un couple en recherche de conformité. André et Vera, jeune couple d’entrepreneurs, ont l’occasion de présenter leur application de santé féminine lors d’un prestigieux concours de pitchs devant des investisseurs. Avant de s’y rendre, Vera a rendez-vous pour une séance d’hypnose thérapeutique, afin d’arrêter de fumer. À partir de là, rien ne va se dérouler comme prévu. Ernst De Geer, né en 1989 à Stockholm, a étudié la réalisation à l’école de cinéma norvégienne. Son film de fin d’études The Culture (2018) a été primé dans plusieurs festivals à travers le monde, notamment à Palm Springs et à Premiers Plans. Il a également été nommé pour le prix national du film norvégien, Amanda. Sous Hypnose est son premier long métrage. « Je voulais dépeindre un couple dans sa volonté de s’intégrer aux autres, et ce qui se passe quand l’un d’eux cesse de vouloir le faire. Le film est né de mes propres sentiments de gêne et d’embarras dans des situations sociales. Je voulais explorer comment cela pouvait affecter une relation amoureuse. Mon but était aussi de se poser la question de ce que signifie vraiment être « soi-même » et jouer avec l’idée que quelqu’un qui est vraiment lui-même peut être une vraie plaie. Slavoj Žižek a dit : « Trop souvent, lorsque nous aimons quelqu’un, nous ne l’acceptons pas tel qu’il est réellement. Nous l’acceptons dans la mesure où cette personne peut se conformer aux coordonnées de notre fantasme. » Je pense que cela correspond assez bien à Sous Hypnose. » – Ernst De Geer * Réalisation : Ernst De Geer * Scénario : Mads Stegger et Ernst De Geer * Avec : Asta Kamma August et Herbert Nordrum * 1h38, VOSTFR Cette projection fait partie du programme « L’Institut suédois à l’heure d’été ». Merci à Houdini Sportswear. Informations pratiques * Entrée par les grilles du jardin au 10, rue Elzévir * Ouverture des grilles à 20h30, début de la projection vers 21h * En cas de pluie, la projection est annulée

Comme à l’accoutumée, la rentrée et le festival des Traversées du Marais riment avec cinéma en plein air. En correspondance avec le thème "Dialogue(s)" de l’édition 2026 du festival, nous projetons le film "Kevlar Soul", portrait d’une jeunesse troublée dans la Suède contemporaine. Déçus par le monde des adultes, les frères Alex et Robin sont livrés à eux-mêmes. Leur relation fusionnelle a rendu Robin entièrement dépendant de son aîné. Et puis un jour, Alex tombe amoureux. Se sentant abandonné, Robin perd pied. Alex, rongé par la culpabilité, consacre toute son énergie à tenter de le sauver – alors même que Robin ne souhaite peut-être pas l’être. Maria Eriksson-Hecht est diplômée d’un master en réalisation de la Stockholm Academy of Dramatic Arts. Son film de fin d’études Schoolyard Blues (2017) a remporté une quarantaine de prix dans plus de 100 festivals. Elle a ensuite réalisé des épisodes des séries acclamées Thin Blue Line et Thunder in My Heart. Kevlar Soul est son premier long métrage, couronné aux Guldbagge (l’équivalent suédois des César) du prix de la meilleure réalisation et du prix du meilleur interprète dans un second rôle pour Torkel Petersson. * Réalisation : Maria Eriksson-Hecht * Scénario : Pelle Rådström * Avec : Josef Kersh, Rio Svensson, Adja Sise Stensson, Torkel Petersson * 1h41, VOSTFR Cette projection fait partie du programme « L’Institut suédois à l’heure d’été ». Merci à Houdini Sportswear. Informations pratiques * Entrée par les grilles du jardin au 10, rue Elzévir * Ouverture des grilles à 20h30, début de la projection vers 21h * En cas de pluie, la projection est annulée

_Il est un pont que je dessine entre la France et le Portugal. Une proposition au voyage au sein de ce dernier. Au plus proche des gens qui le font, de ce qu’il me procure et de ce qu’il me manque aussi._ _Il est des femmes qui m’inspirent. Omniprésentes dans le Fado, elles en marquent l’écriture ; elles le transportent au-delà des frontières._ _Il est un récit qui conte leurs influencent, leurs peines, leurs victoires, leurs luttes. Elles, qui ont le pouvoir de tout sublimer._ Tânia Raquel Caetano Aujourd’hui nantaise, Tânia Raquel Caetano a grandit à Paris après son arrivée en France. Elle s’adonne à la musique dès l’âge de 3/4 ans au sein du bar associatif que ses parents tenaient au Portugal ; portée par les clients qui la poussent à chanter. Depuis toujours, elle ponctue ses concerts de musique française, jazz ou bossa, par quelques Fados a capella et, lors d’une de ses représentations dans un bistro parisien en 2015, on l’invite pour une soirée « Fado vadío » à Paris. Elle découvre alors le Fado dans son entièreté, poussant la porte d’un milieu qui, jusqu’alors, lui était inconnu. Cette musique qu’elle chantait depuis l’adolescence pour renouer avec ses racines devient un chant de l’âme, qu’elle veut sincère et sans détours, depuis, elle décide de s’y consacrer… Tânia Raquel Caetano Chant Philippe de Sousa Guitare portugaise Dominique Oguic Guitare classique (viola) [www.taniaraquelcaetano.com](http://www.taniaraquelcaetano.com) Facebook/Instagram : Tânia Raquel Caetano [www.youtube.com/watch?v=nANohBOkCGU](http://www.youtube.com/watch?v=nANohBOkCGU) Fête du Jardin Shakespeare – Carte Blanche au Comité Artistique du Théâtre de Verdur C’est l’idée d’une soirée imaginée par celles et ceux qui rêvent ce Théâtre de Verdure comme un lieu de rencontres, d’échanges, de poésie et d’utopie. Comme dans une fête ouverte à toutes et tous, il y aura de la musique, de la danse, des surprises, des tentatives, de l’irruptionnel, de l’irrationnel, des textes qui font pleurer, des textes qui font rire, des textes qui font rire et qui font pleurer, des étoiles filantes, la présence exceptionnelle de Dj Bash, un magicien, un grand jeu concours, des projections de films, des cocktails à la mandragore, des arbres qui parlent, des renards philosophes, un atelier de tarologie, une tarentelle et un salon de coiffure ! Avec Vincent Debost, Nicolas Delbart, Mathieu Genet, Marc Ginières, Rodolphe Grau, Fanny Laurent, Sarah Oppenheim, Lisa Pajon, Julie Pilod, Clara Pirali, Carles Romero Vidal, Nicolas Senty, Fleur Sulmont, Hédi Tillette de Clermont-Tonnerre et des invité.e.s… mais on peut pas tout dire, sinon après, c’est plus vraiment une surprise !

Et si Montmartre se découvrait autrement ? Créé depuis 2013 par la soprano Veronica Antonelli, Montmartre Enchanté est une visite chantée a cappella où les rues deviennent une scène et le patrimoine reprend vie grâce à la voix. Au fil d'un parcours intimiste, les participants explorent les lieux emblématiques de la Butte tout en écoutant des airs d'opéra, des chansons françaises et des mélodies inspirées par l'histoire de Montmartre. Sans micro, sans haut-parleur, la voix se mêle naturellement à l'architecture et crée une expérience immersive et authentique. Chaque visite invite le public à chanter, à ouvrir son imagination et à vivre un moment de partage hors du temps. En souvenir de cette aventure, chaque participant reçoit un Certificat d'Enchantement, une œuvre originale numérotée, datée et signée, conçue comme une invitation à « déployer ses ailes » au quotidien. Montmartre Enchanté, c'est une rencontre entre patrimoine, émotion et art lyrique, une façon unique de découvrir Paris en laissant la musique guider les pas. Unique femme autorisée de chanter à Montmartre (Le Parisien aout 2025 et la Dépéche du midi aout 2025) [https://www.ladepeche.fr/2025/08/31/je-revele-les-secrets-du-lieu-la-cantatrice-toulousaine-veronica-antonelli-unique-voix-feminine-autorisee-a-montmartre-12895839.php](https://www.ladepeche.fr/2025/08/31/je-revele-les-secrets-du-lieu-la-cantatrice-toulousaine-veronica-antonelli-unique-voix-feminine-autorisee-a-montmartre-12895839.php)

Ensemble, trois amis vous emmènent en promenade dans quinze jardins et parcs de Paris. Hervé Le Tellier écrit, Sylvain Moser compose, Alexandre de Broca peint. **Un ouvrage à lire, à contempler et à écouter.** Hervé Le Tellier est auteur et membre de L’Oulipo. Il a reçu le prix Goncourt en 2020, pour son roman **_L’Anomalie_**. **Sylvain Moser** est pianiste, beatmaker, ingénieur du son et compositeur. Aujourd’hui, il se consacre au travail de studio (mixage et mastering) et à la composition de musiques pour l’image, en particulier dans des séries d’animation. **Alexandre de Broca** est peintre. Il a été décorateur pour le cinéma et pour le cinéma d’animation 3D. Il illustre également des ouvrages. **[Venez découvrir « Jardin sauvage et autres parcs parisiens » publié aux Éditions Gallimard](https://ledivan.url.fr/JardinsauvageetParcsParisiens)**. **Au programme : discussion, signature, moment musical et verre amical. Entrée libre - Livre en vente sur place.**

Carmen, une jeune comédienne, débarque dans un cercle de parole avec une urgence : raconter son parcours semé de désillusions, tant amoureuses que théâtrales. A travers trois héroïnes shakespeariennes — Juliette (Roméo et Juliette), Héléna (Le Songe d’une nuit d’été) et Olivia (La Nuit des rois) —, elle exorcise ses histoires d’amour et son désir viscéral de jouer. Le spectacle mêle scènes classiques et improvisations, et intègre le public comme partenaire de jeu ; une invitation à la joie et à la libération, qui rend Shakespeare accessible à toutes et tous et montre l’étonnante modernité de ses questionnements sur l’amour. Shakespeare Love interroge les figures féminines de Shakespeare à la lumière des expériences amoureuses d’aujourd’hui : la passion extrême, le désespoir, le désir au-delà du genre. Comment parler d’amour aujourd’hui ? Quelle nouvelle façon d’aimer est possible ? Les situations que traversent les héroïnes de Shakespeare sont universelles. Elles interrogent nos relations amoureuses aussi bien à l’époque élisabéthaine qu’aujourd’hui. Shakespeare Love est une performance joyeuse, drôle et immersive, une célébration du théâtre. « A quinze ans, l’une des premières pièces de théâtre qui m’a marqué a été Le songe d’une nuit d’été, présenté au Théâtre de Verdure du Jardin Shakespeare. J’avais trouvé incroyable, à l’époque, ce théâtre en plein air, au milieu de la nature, écrin idéal pour faire résonner cette pièce féérique du dramaturge anglais. J’avais l’impression que le lieu avait été imaginé pour la pièce. » Ana Lorvo « J’ai un rêve depuis que j’ai commencé le théâtre. J’ai grandi entre Nice et l’arrière-pays niçois dans un village qui s’appelle Gars. J’ai alors cultivé un amour pour la nature, les grands espaces, et les étoiles. Je voudrais un jour créer un festival de théâtre en plein air dans mon village d’enfance et le théâtre de Verdure en serait première marche. Quand Ana m’a proposé de l’aider pour son projet Shakespeare Love, j’ai tout de suite dit oui car nous avions travaillé ensemble deux ans au Conservatoire Régional de Paris. J’avais été sa réplique pour les concours et elle m’avait été d’une grande aide pour une scène de Lucrèce Borgia de Victor Hugo. Ce que j’aime chez Ana c’est qu’elle se jette avec beaucoup d’intensité dans chaque scène. Travailler avec Ana, c’est découvrir quelque chose que je connais moins, la dimension tragique des pièces shakespeariennes, et la volonté de s’en saisir à bras le corps. » Simon Dufour Avec Ana Lorvo Conception Simon Dufour et Ana Lorvo Production Les bouffons sans roi / Théâtre de Verdure du Jardin Shakespeare

_**Sinon on te mange !**_ raconte une famille d’ogres. Père, mère, fils et fille ont décidé de ne plus se cacher et de vivre au milieu des humains. Mais s’intégrer n’est pas si simple : disproportionné·es dans un monde fait pour des petits êtres, ils sont maladroit·es et marginalisé·es. Cette nouvelle vie crée son lot d’émotions négatives. Pour s’adapter, ils remplacent la chair des enfants par des légumes (au moins, leur peau est toute aussi douce…). Seulement voilà, une vieille croyance d’ogre définit les légumes comme dangereux : il ne faut surtout pas les croquer ! Texte Mise en scène Marc-Elie Piedagnel Avec Mathilde Courcol-Rozès, Juliette Evenard, Rémi Fransot, Louise Héritier Marionnettes Laïs Argis Costume et prothèse Mathilde Courcol-Rozès Lumières Arsène Fourdrinoy Scénographie Adèle Collé Musique Louis-Hadrien Foltz Chargée de production Louise Deloly Production Collectif Nouvelle hydre Coproduction Archipel – scène conventionnée d’intérêt national Granville, Théâtre de la Ville de Saint-Lô Accueil en résidence le CENTQUATRE-PARIS et la compagnie Dodeka Soutien du fond européen agricole pour le développement rural : l’Europe investit dans les zones rurales, de la DRAC Normandie, du département de la Manche, de la communauté de Commune Saint-Lô Agglo [www.collectifnouvellehydre.fr](http://www.collectifnouvellehydre.fr) [www.instagram.com/nouvellehydre](http://www.instagram.com/nouvellehydre) [www.facebook.com/nouvellehydre](http://www.facebook.com/nouvellehydre)

Cette histoire est celle de la rencontre de Tubby et Nottubby, deux inconnus que le destin vient surprendre, un soir de Noël, au seuil du désespoir. C’est aussi l’histoire de la quête extraordinaire dans laquelle ils seront propulsés, bien malgré eux, des quais de la Tamise, à Londres, jusqu’au-delà du réel. Trompés par leurs illusions mais portés par la beauté de leur rêve, ils feront la connaissance d’un crâne, survivront à une tempête, se fâcheront, se réconcilieront, chanteront pour tromper la peur et défieront la mort elle-même, en route vers leur renaissance… Hanté par le souffle de Shakespeare, baigné de la folie merveilleuse de Laurel et Hardy, nourri de mythes anciens, ce spectacle raconte la force mais aussi la fragilité de l’amitié, de l’amour et du rêve, ultimes remparts contre la cruauté du monde. _« Cette voûte céleste devant laquelle nous restons interdits,_ _Nous savons qu’elle n’est qu’une sorte de lanterne magique;_ _Le soleil est la lampe; l’univers, la lanterne;_ _Et nous, les images qui tournent. »_ Omar Khayyam. _« To be or not to be. Être vivant, ou ne pas l’être. Tout commence par ces six mots, qui résonnent en nous tous, semble-t-il, depuis l’origine du monde: choc, entre désir de vie et appel de la mort perçue, quand le désespoir frappe, comme une possible libération. Shakespeare, donc, dont est si magnifiquement baignée l’Angleterre, où est née et a vécu Sophie. Shakespeare, dont la langue et l’imaginaire ont traversé et nourri chaque heure du processus de création. Et puis ces deux créatures théâtrales, Tubby et Nottubby, nées d’un projet plus ancien qui les avait déjà réunies en scène, au coeur de la guerre du Péloponnèse. Créatures fragiles, à qui le destin a donné une seconde vie quand un directeur de théâtre s’est demandé ce qu’elles seraient dans le monde tel que nous le connaissons, aujourd’hui, nous pressant d’inventer leur histoire… Qui sont donc ces deux inconnus -si vulnérables parce que sincères- dans un monde où les prédateurs règnent en souriant? Qui sont Tubby et Nottubby, sinon cette part de nous-mêmes qui s’interroge, avec angoisse, confrontée au cynisme érigé en système : Peut-on survivre si l’on refuse d’être égorgeur ? Et si oui: comment ? »_ Louis Fortier, Saint-Valéry-sur-Somme, avril 2011 Écriture, interprétation et mise en scène Sophie Brech et Louis Fortier Collaboration artistique Yann Denécé Création lumières Cédric Frémaux et Jérôme Huot Musique originale Louis Sédillot Scénographie et costumes Marta Rossi Création graphique Renaud Penelle Animation graphique Renaud Pennelle et Arnaud Gautelier Montage sonore François Leclerc [www.louisfortier.fr/mises-en-scene-et-creation-theatrales/](http://www.louisfortier.fr/mises-en-scene-et-creation-theatrales/) Facebook : Théâtre Fools and Feathers Instagram : louisfortierparis

Depuis quinze ans, Sara Parkman interroge et embrasse les traditions avec franchise et finesse. Elle a ainsi créé son propre univers musical, devenant l’une des figures incontournables de la musique folk suédoise contemporaine. La musique de Sara Parkman circule avec aisance entre le sacré et le brut, entre l’intime et la brume de la forêt lors des raves nocturnes. Violoniste, chanteuse et compositrice depuis plus de quinze ans, elle continue de bousculer et redessiner les frontières de la musique folk. Aujourd’hui, elle revient avec Eros, agape, philia – un album autour de l’amour et du corps. Son premier album solo, _Sara Parkmans Skog_ (« La forêt de Sara Parkman », 2016), lui avait valu le titre d’« Artiste de l’année » lors de la Folk & Världsmusikgalan, une cérémonie suédoise consacrée aux musiques folk et du monde. L’année suivante, elle avait publié son deuxième album, _Matriarkerna_ (« Les matriarches »), un disque hommage réalisé en collaboration avec son amie, la musicienne folk Samantha Ohlanders. Mais la sortie la plus acclamée de Sara Parkman à ce jour reste _Vesper_ (« Vêpres », 2019). Nommé d’après la prière chrétienne du soir, c’est un album dédié au sacré. Il a été accueilli avec enthousiasme par la critique et été auréolé de plusieurs prix, dont le Prix culturel du quotidien _Dagens Nyheter_. Avec Eros, agape, philia, Sara Parkman joue avec trois mots grecs antiques désignant différentes formes d’amour : Eros, l’amour romantique ou érotique ; Agapè, l’amour divin ; et Philia, l’amour amical ou familial. Le résultat en est un disque qui murmure, dans toutes les langues de l’amour, la tendresse humaine. Il parle du désir, de l’espoir, des vœux silencieux. De l’étourdissement né de l’angoisse autant que de la douceur du contact de la mousse. De l’amour éphémère et de l’oubli de soi-même. De l’abandon, du languissement, du doute. Tradition ou innovation, chambre ou club nocturne ; la musique de Parkman n’est jamais une chose ou son contraire, mais un mélange de multiples éléments, parfois perçus comme opposés mais qui créent une étrange et parfaite harmonie.

Issue de la scène expérimentale nordique, Fågelle incarne une collision brute entre lyrisme et déchaînement sonore. Sa musique mêle passages folkloriques, murs de son orchestraux, perturbations électroniques et voix primales. Après deux albums salués par la critique — _Helvetesdagar_ (« Jours d’enfer », 2019) et _Den svenska vreden_ (« La fureur suédoise », 2023) — Fågelle revient aujourd’hui avec un nouveau projet ambitieux, profondément enraciné dans sa région natale du Halland, dans le sud-ouest de la Suède. L’album _Bränn min jord_ (« Brûle ma terre ») marque un déplacement à la fois géographique et artistique : une écoute attentive des forêts et des villages qui l’ont façonnée. Loin de toute nostalgie, il s’agit d’une réappropriation de l’espace et de la mémoire, transformant des lieux délaissés en territoires de création. Sur le plan sonore, l’album se distingue par une atmosphère sombre, texturée et immersive – guitares saturées, cuivres, prises de sons in situ et voix à vif. À la fois atmosphérique et organique, il oscille entre lumière et obscurité, désolation et tendresse. En intégrant musicien·nes, danseur·euses et vie ambiante locale au cœur des enregistrements, Fågelle réinvente la manière dont la musique peut dépeindre et transformer un paysage, en créant un pont entre tradition populaire et art sonore contemporain. Mais l’album dépasse son territoire pour poser des questions universelles : comment les lieux nous façonnent-ils ? Comment la mémoire s’inscrit-elle dans la terre ? Et comment le retour – même douloureux – peut devenir une façon d’habiter pleinement le monde. Fågelle a donné de nombreux concerts à travers l’Europe, dans des festivals et lieux emblématiques tels que Roadburn, Way Out West, la Kantine du Berghain, Petit Bain, entre autres.

Lors d’une soirée de solstice d’été, venez vous laisser emporter par la musique avec **Bambo Théâtre**, au bord de la Seine ! Bambo Théâtre est une troupe de théâtre musical et de théâtre principalement composée de passionné·e·s de comédie musicale venu·e·s de Chine. L’année dernière, à l’occasion de la Fête de la Musique, nous avons présenté près de deux heures de performances aux alentours du Pont Neuf, devant plusieurs centaines de spectateur·rice·s. Le mois dernier, en mai 2026, nous avons également présenté sur scène une version complète de la comédie musicale SIX, devant plus de 130 spectateur·rice·s. Cette année, nous souhaitons prolonger cet esprit de partage en invitant chaleureusement des publics venus de tous horizons et de toutes cultures à découvrir notre nouvelle programmation. Au programme : des chansons en solo ou en duo, issues de comédies musicales ou de répertoires pop, interprétées dans différentes langues, ainsi qu’une proposition originale mêlant DJ set et marionnette. Après nos performances, le public sera également invité à nous rejoindre pour un moment de karaoké en plein air, en profitant de notre installation sonore. L’esprit de cette soirée : un moment **simple, ouvert et participatif**, à partager ensemble au bord de la Seine.

\*19h à 22h\* À l’occasion de la Fête de la Musique 2026, la chanteuse italienne Kicca sera en concert au Jass Club le 21 juin pour une soirée exceptionnelle placée sous le signe du groove, de l’élégance et de l’improvisation. Pour ce rendez-vous très attendu du public parisien, Kicca sera entourée d’un tout nouveau quartet réunissant le trompettiste Hillel Salem, Oscar Marchioni à l’orgue, et le batteur Mourad Benhammou. Le groupe proposera un répertoire riche et vibrant mêlant grands classiques de la tradition jazz, soul et pop, ainsi que des compositions originales de Kicca & Oscar. Entre énergie, raffinement et liberté musicale, cette soirée promet une expérience chaleureuse et pleine de surprises ! \*\*Kicca\*\* / voix \*\*Hillel Salem\*\* / trompette \*\*Oscar Marchioni\*\* / orgue \*\*Mourad Benhammou\*\* / batterie \*/ Ouverture des portes à 19h / Bar & restauration sur place \*\*/ Entrée Libre !\*\*\*

Nombreuses reprises des Rolling Stones, mais aussi d'Aerosmith, de RHCP, d'AC/DC, de Pink Floyd, de Jimi Hendrix, de Police, de Johnny Hallyday, etc.

**CHORALE ESPACE 16 & LE CHOEUR DU CONSERVATOIRE DE MONTMORENCY** _**MOZART 270 ANS**_ * _Messe du couronnement_ * _Laudate Dominum_ * _Nocturnes_ * _Das Klinget_ * _Bei Männern_ * _Ave Verum_ _**Dimanche 21 juin 18h30**_ _EGLISE DE L'ASCENSION_ _47 rue Dulong_ _Paris 17_ _Concert public, libre participation_

Joyau de la poésie arabe classique Le Livre des Processions de Gibran Khalil Gibran, publié d’abord en arabe en 1919 à New York, explore la dualité de l’être, le tiraillement entre les racines et l’élan vers un avenir nouveau. Les poèmes sont mis en musique par Walid Ben Selim dans une inspiration des ensembles liturgiques traditionnels qui ont peuplé la Méditerranée, tout en y intégrant la modernité et la pertinence de la poésie de Gibran et de la musique actuelle. Sous sa direction artistique, cette création rassemblera une constellation d’artistes professionnel·le·s et amateur·ice·s, réuni·e·s pour faire entendre un souffle commun. Agathe Di Piro, pianiste et arrangeuse reconnue, apporte à cette création la finesse des contrechants, la profondeur harmonique des grands ensembles vocaux et des orchestres symphoniques. Le chœur et l’orchestre des Musicales du Liban sous la direction de Fadi Khalil, viennent donner à cette œuvre son ampleur humaine et sonore. Leur présence inscrit Les Processions dans une filiation vivante entre Orient et Méditerranée. Par la richesse des timbres, la puissance du collectif et l’ancrage d’une tradition musicale profondément liée aux langues, aux rites et aux mémoires du Levant, ils galvanisent cette création portée par l’Institut du monde arabe et lui donnent la dimension d’un grand rassemblement poétique. Pensée comme un oratorio méditerranéen, cette œuvre fait dialoguer les voix, les gestes, les langues et les cultures autour d’une même ambition : célébrer la puissance du chant collectif, la beauté d’une poésie incarnée. Ce projet s’inscrit dans le cadre de la Saison Méditerranée 2026, Institut Français Production : Compagnie Les Enchanteurs Coproduction : Institut du monde arabe ; L’Archipel, scène nationale de Perpignan ; Théâtre Molière → Sète, scène nationale archipel de Thau Avec le soutien de : DGCA - SACEM ; DRAC Occitanie ; Région Occitanie ; Fondation Orange ; Fondation Abilitis