Évènements à venir à Avignon

Simon a 52 ans, il vient de perdre son père. Il y a 5 ans, il a perdu sa mère, autre personnage central de sa vie. Et ce deuil-là, il ne l’a toujours pas fait. Simon est désormais orphelin, pas d’amoureuse officielle, pas d’enfant, donc… pas de famille. Seul au monde et en pleine crise existentielle. La cinquantaine, c’est redoutable. Il décrète qu’il lui faut, absolument, impérieusement, un enfant et une nouvelle famille ! Lui qui a toujours été un fils, il VEUT devenir père à son tour, il est fait pour ça, il en est certain. C’est maintenant ou jamais, il commence à se faire vieux. C’est le début d’une épopée initiatique et endiablée où il se révèle tour à tour touchant, drôle et pathétique. Il plongera dans son enfance, explorera ses propres liens avec son père. Il interrogera son passé, son parcours amoureux. Et puis, il s’inscrit à un cercle d’hommes. Un groupe de paroles dont la thématique principale est la paternité. Il s’agit de : Construire l’homme singulier et le père moderne qu’on a envie d’être, au-delà des injonctions sociétales, culturelles ou familiales. De s’entraider à se sentir émotionnellement mûrs, puissants et compatissants. Tout un programme.

de Pierre Berlioux Texte lauréat de l'Aide nationale à la création de textes dramatiques d'ARTCENA 2025 et du concours des E.A.T 2025 et reçoit le Mimosa d'argent du concours Vivons les mots! 2025 En juillet 2024, Jeanne, dix sept ans, se découvre un destin : elle va sauver la France. Avec beaucoup d'humour, nous suivons 10 jours qui s avèrent cruciaux pour cette héroïne. Entre épopée intime et manifeste collectif, cette pièce met en scène la résistance de la jeunesse face aux préjugés dans la France rurale, comme un écho des colères et des espoirs d’une génération. Jeanne DARK se sent une mission. Ludique, drôle et accessible.

Elena se fait harceler dans son collège car on dit d’elle qu’elle se masturbe à toutes les récrés dans les toilettes. Cette rumeur grossit et se transforme. Elle arrête alors peu à peu de venir au collège. Elle se questionne sur sa nouvelle réputation, elle réprime la naissance de son désir et finit par découvrir malgré elle son plaisir, dans la culpabilité. Sa mère est désemparée face à l’état dépressif de sa fille. Elle décide alors d’avoir recours à un étrange programme scientifique : Le Grand Sommeil. C’est un programme qui permet aux parents de plonger leurs adolescentes dans un sommeil artificiel jusqu’à ce qu’elles deviennent adultes pour préserver leur réputation. Un seule-en-scène qui mène l’enquête sur celle qu’au collège tout le monde appelle Masturbator... Le fil narratif est celui du procès d’Elena à 30 ans contre la société qui a créé le Grand Sommeil. Une réflexion dystopique sur la réputation des jeunes filles et la découverte de leur sexualité.

Depuis 2013, « Ça va, ça va le monde ! » est une chambre d’écho et un laboratoire où auteurs, autrices, spectateurs et spectatrices partagent, souvent pour la première fois, l’expérience de l’énonciation. Lectures au pupitre ou lectures musicales : la langue circule, portée par les interprètes. Véritable rendez-vous avec les écritures du Sud, ce cycle de lectures de RFI permet la découverte d’auteurs et d’autrices du monde francophone dont les textes racontent d’autres histoires. Le présent et l’actualité sont souvent au cœur de ces dramaturgies, marquées par la nécessité de faire entendre les déchirements de leur histoire : guerre, colonialisme, corruption ou patriarcat. L’Ecole du Nord : Liée au Théâtre du Nord, l’École du Nord forme les artistes de demain depuis plus de vingt ans. Sous la direction de David Bobée depuis 2021, elle fait directement écho au projet artistique du théâtre : un espace de transdisciplinarité, d’ouverture au monde et d’égalité des chances. En Jeu comme en Mise en scène, Écriture et Dramaturgie, (MED) l’École accompagne pendant trois ans une jeunesse qui incarne la pluralité de notre société et portera ses récits sur les plateaux de demain. 14 juillet : Clipping de Israel Nzila (RDC) / Direction Jean Paul Delore 15 juillet : La décennie noire de Yacine Benyacoub (France/ Algérie) / Direction Yacine Benyacoub 16 juillet : Les dieux tambourinent de Jeannine Dissirama Bessoga (Togo) / Direction Armel Roussel 17 juillet : Dof ! Perdre l’esprit de Mamadou Sellou Diallo (Sénégal) / Direction Armel Roussel 18 juillet : Reste de Claudia Munyengabe (Burundi) / Direction Armel Roussel 19 juillet : Quel dernier grand conflit pour satisfaire la haine entre les humains de Guy Régis Junior (Haiti) / Direction Armel Roussel

Magnéééétique comporte 2 faces pour explorer ce qui nous lie. Dans la face B, seule en scène, une comédienne-clown convoque la K7 comme un objet de mémoire et d'archives sonores. Embourbé.e dans des objets du quotidien, le personnage semble chercher des ressources pour réparer des relations passées conflictuelles. À travers un travail documentaire qui s’intéresse à "nos archives de la honte", il s’agit d’observer nos manières de nous lier aux autres et de réparer les relations qui paraissent brisées. Un spectacle qui parle autant aux enfants qu’aux adultes, chacun.e y trouvant ses propres échos.

La clowne Euzée vit en dehors des règles et des convenances. La tentation d'évasion est grande dans ce monde étriqué qui la rejette. Accompagnée de sa trompette, Euzée embarque dans sa bassine et échoue sur une île... Peut-être trop déserte pour satisfaire son besoin irrépressible d'amour. Dans ce solo piquant, loufoque et sensible, Euzée danse avec les normes, les défait, et révèle la fragilité de notre rapport à l’autre.

Lilith la flamboyante a les cheveux aussi sauvages que l'âme. Intègre et sensuelle, elle est la première femme du monde. Dans ce récit insoumis, burlesque et pimenté, Coline Morel mêle le clown et le théâtre d'objets. Betty, professeure d'anglais ébréchée et touchante (qui parle aussi français) est là pour dépoussiérer nos oublis. Dans un tourbillon d'humanité et de folie, elle se démène avec passion et remonte le temps jusqu'aux origines pour traquer la boule noire qui nous a fait perdre la mémoire. Un spectacle déjanté, incisif et touchant qui vient ébranler nos préconceptions du mythe originel.

Pourquoi “réécrire” ? De tout temps les auteurs se sont imspirés des récits, des œuvres existantes. Voilà l’un des fondamentaux de l’espace culturel et intellectuel qui nous englobe : il est fait de croisements de chevauchements et de réinterprétations, que cela soit visible, assumé ou non. La tradition théâtrale française est plus timide sur la question de la réécriture des œuvres du passé, en tout cas de la fin du XIXe ou du début XXe. En Allemagne, par exemple, il est beaucoup plus fréquent de rencontrer une réécriture pour la mise en jeu d’œuvres de ces époques. Nous pouvons prendre pour exemple le trajet que le metteur en scène Thomas Ostermeier a mené avec les pièces d’Henrik Ibsen. Réécrire pour aujourd’hui signifie la possibilité de redéployer la fable en lui donnant les éclairages, les approfondissements, les contradictions aussi qui semblent nécessaires pour rencontrer le public d’aujourd’hui.

Qu'est ce que notre enveloppe corporelle cache ? Qu'est ce qu'on accepte de dévoiler ? Quels paysages intérieurs viennent se cacher dans les plis de la peau ? LIVRÉ POUR VOUS - récits de corps féminin, sera la nouvelle création bilingue (Langue des signes, Français oral) de la compagnie Le Compost, à partir d'une collecte de parole auprès de femmes de tout âge et tous horizons, autour d'un sujet aussi vaste que le corps... Un spectacle chorégraphique et imagé, qui entremêle le langage silencieux du corps, la langue des signes, et tout ce que ces femmes auront bien voulu nous confier d’elles pendant la collecte.

Le soir tombe et, comme chaque soir, Sacha, 4 ans, repousse l’heure du coucher. Dernier verre d’eau, dernier câlin, dernier bisou, … Mais maintenant c’est STOP ! DODO ! Maman s’énerve, on voit bien qu’elle est fatiguée, pourquoi c’est Sacha qui doit aller se coucher ? La porte se ferme, le silence s’installe. Alors viennent les questions, une montagne entière de questions qui se dresse devant ses yeux au moment où il faudrait les fermer… Face à cette montagne, comment traverser la nuit ? « Ce soir, promis-juré, je m’endors tout seul ! ». Alors, dans la chambre de Sacha, le décor se transforme, un paysage se dresse, des figures apparaissent. Sacha s’équipe, l’aventure de la nuit peut commencer… Maman lui a bien répété : j’ai confiance, tu vas le trouver, le chemin vers demain !

Une cité autoritaire. Une forêt hors du monde qui n’existe que parce qu’on la nomme. Quatre jeunes gens fuient les lois d’Athènes et s’égarent dans une nuit où les repères s’effondrent : la raison vacille, les corps se désirent et se rejettent, les identités glissent. La drogue agit. Autour d’eux, une guerre entre la reine et le roi des fées, un lutin manipulateur, et une bande d’artisans jouent - sans le savoir - une tragédie grotesque et révélatrice du chaos en devenir. Dans une mise en scène où sept interprètes incarnent tous les rôles, la magie opère de manière inattendue. Les masques tombent sans cesse, et se remettent. Le théâtre y est ce terrain instable, drôle et sombre à la fois, où l’on cherche à dire quelque chose — et où tout finit par se dérober. La comédie de Shakespeare devient la célébration de l’imaginaire et de l’amour.

Attention: chaque choix a un prix. Avec ce projet, la compagnie souhaite interroger la nature du dispositif scénique. En restant dans le dispositif théâtral, en acceptant d’en jouer les règles, elle met en place une série de mécanismes ludiques qui invitent progressivement les spectateurs à influer sur le déroulement du spectacle. L’esthétique du spectacle fait un clin d’oeil au film Orange mécanique. L’orange, le lait et le blanc composent un univers visuel qui évoque la relation ambiguë et parfois sadomasochiste entre l’artiste, le système spectaculaire et les spectateurs. À la différence du film, cependant, la pièce conserve une dimension ironique, même lorsque certaines situations deviennent plus crues. Le rire, ou le sourire, accompagnent les choix du public. Au-delà de la scène, cette expérience soulève une question éminemment politique: quelle est notre capacité à réagir face à la prépotence ou à l’injustice dans l’espace social ?

«Je déteste l’idée que tu puisses perdre ton temps à te dévouer sentimentalement, mentalement, amoureusement pour quelqu’un et que cette personne disparaisse.» Garçon Fièvre est une histoire d’amours racontée par des gens qui s’aiment, c’est l’histoire de notre ami Tim et de ses passions. Tim est un témoin des années 80 et 90, il a vécu le Palace, la découverte de la House Music et l’arrivée du Sida. Tim est pour nous un modèle d’amour.

Le collectif "Sauvons Les Riches" organise une action directe devant les locaux d'une entreprise suspectée de faciliter l’évasion fiscale. Parmi les personnalités soupçonnées, Jacques Trompe, candidat favori à l'élection présidentielle. Rosa, journaliste d’investigation idéaliste, vient couvrir l’événement. Mais dans la confusion, elle est identifiée malgré elle porte-drapeau du collectif, et embarquée par la police... Les Évadés aborde un enjeu contemporain majeur : l’évasion fiscale et la menace qu’elle représente aujourd’hui pour notre démocratie. À travers le prisme du collectif existant "Sauvons Les Riches", le spectacle interroge la façon dont la société civile peut s’emparer d’un message contestataire et bénéficier par ricochet d’une portée médiatique et d’une résonance politique. Analyse documentaire, témoignages et écriture fictionnelle se croisent avec humour et ironie pour observer notre réalité politique, tout en posant la question : quand une injustice repose sur les failles du système, peut-il être juste de désobéir au nom de la justice ?

Dans nos vies, nous jouons tous plusieurs rôles. Mais lequel est vraiment le nôtre ? « Le monde entier est un théâtre, et tous, hommes et femmes, n’en sont que les acteurs. Et notre vie durant nous jouons plusieurs rôles. » — William Shakespeare (Comme il vous plaira). Après le succès de Viril(e.s) présenté à Avignon en 2023 et 2025, Marie Mahé met à l’épreuve, dans 7 SECONDES, cinq individus : une ex-miss, un fonctionnaire, un ancien détenu, un commercial et un fils de militaire, tous convoqués à une audition de théâtre. Clara, Ferdinand, Gabin, Sami et Guillaume explorent alors la fragilité de leur identité à travers un dispositif intense et sans filet. La metteuse en scène s’appuie sur une idée troublante : dans les sept dernières secondes avant la mort, le cerveau revisiterait des fragments de vie. Sur scène, les personnages se confrontent à ces souvenirs, ces choix et ces regrets. Peu à peu, les rôles s’effondrent, les masques tombent et les vérités émergent. 7 SECONDES devient une expérience immersive et vertigineuse, une mise à nu collective où le théâtre révèle, dans toute sa force brute, ce qui nous traverse et nous échappe.

"Nous sommes jusqu'au bout l'enfant de notre corps, un enfant déconcerté". L’histoire d’un homme qui se raconte de ses 12 ans à ses derniers jours à travers les manifestations de son corps. Il y est question d’enfance, de scouts et de fourmis, de paternité, de maladie, de désir et d’amour mais surtout du temps qui passe et de ce qu’il fait sur nous. Un journal intime drôle et bouleversant. "Au royaume de Daniel Pennac, David Nathanson règne en majesté. Un objet théâtral de toute beauté." - M-C. Nivière / Coups d'œil "Dans une scénographie vivante signée Marie Hervé, David Nathanson fait littéralement vivre ce texte d’une beauté folle. Rien n’est laissé au hasard dans ce travail d’orfèvre" - Marie Plantin - Sceneweb "David Nathanson apporte une autre dimension à ce texte, celle de la voix d’un conteur hors pair qui sait faire passer un texte de l’intime à l’universel" - Théâtre du Blog "Amours, désirs, paternité, effets du temps, le récit est interprété avec passion par David Nathanson d'une magnifique justesse. Une réussite" - Starter+Tatouvu "Journal d’un corps réussit un pari magnifique en transformant l’univers foisonnant de Daniel Pennac en un spectacle tendre, drôle et profondément humain. On rit, on s’émeut, on se reconnaît aussi beaucoup dans cette traversée du temps et du corps. Une adaptation lumineuse qui laisse un sourire sincère en sortant du théâtre." - Lever de Rideau

Un soir, Paolo, alors qu'il rentre dans son local, se retrouve face à un public. Il se lance alors dans ce qu'il fait le mieux : raconter des histoires, venant de son pays natal, l'Italie. Grâce à Giulia, son projecteur de cinéma, Paolo n'a qu'à inventer pour que ses histoires prennent vie sur l'écran… Aventure, camaraderie et souvenirs, un magnifique voyage commence. Entre transmission et hommage à la famille du conteur, Ciao ! est un voyage à la croisée du théâtre et du cinéma, une sorte de Cinema Paradiso, bulle de poésie et de fraicheur.

SUCCÈS 2024. Dans cette nouvelle inédite et percutante, Zweig raconte l'histoire d'un couple en exil. Quand le courage, le désir de vivre libre et l'engagement amoureux deviennent forces de révolte. Mais jusqu'où aimer, résister, désobéir? Portée par un univers électro-rock, cette adaptation frappe au présent - entre absurdité des frontières, violences d'Etat et dérives nationalistes. Judicieusement adapté par Anne Marie Storme qui l’a dépouillé de ses marqueurs temporels (…) l’adresse au public n’en est que plus percutante (…) Zweig n’a pas son pareil pour dire et faire ressentir les contradictions les plus intimes. Ce que cette mise en scène réussit à mettre en valeur. Coup de cœur TT TELERAMA - Kilian Orain Une adaptation et un propos sans concession, alors que le bruit des conflits frappe aux portes de l’Europe, en Palestine et mais aussi dans d’autres parties du monde (…) Une adaptation qui évite toute référence à une époque précise, rendant la situation forcément contemporaine. L’HUMANITE – Gérald Rossi Une lumineuse partition sur les conflits de l’humanité (…) Une formidable adaptation qui interroge qui nous sommes (…) On rit et on redoute à la fois, mais surtout on admire un travail de grande qualité. Une nouvelle jamais mise en scène, courez la découvrir. LA TERRASSE – Louise Chevillard Anne Conti, admirable en femme amoureuse, Cédric Duhem, en homme écartelé entre son devoir et ses convictions, et Stéphanie Chamot, implacable voix off des questionnements des personnages et metteuse en son punk-rock, nous laissent KO. LA VOIX DU NORD – Christian Vincent Stefan Zweig nous cloue sur nos fauteuils (…) Anne Conti et Cédric Duhem sont saisissants d’émotion dans le drame qui se joue là entre deux être et l’Etat. LA CROIX DU NORD – Françoise Objois Si les mots de Stefan Zweig résonnent forcément avec l’actualité, pour autant Anne-Marie Storme tire le tout vers une universalité transversale, essentielle et nourrissante. SORTIR – Guillaume Branquart Un texte fort et tragique. Remarquable à tous les points de vue. Une adaptation très aboutie. LA PROVENCE – Angèle Luccioni Quand un ordre reçu par une autorité reconnue écrase toute forme de liberté individuelle (…) C’est de cela dont il s’agit dans La contrainte (…) Un corps à corps philosophique superbement interprété par Anne Conti et Cédric Duhem (…) Les interventions musicale (…) de Stéphanie Chamot contribue à la réussite de cette adaptation impeccablement mise en scène par Anne-Marie Storme qui donne à voir la chair des mots de Stéphane Zweig. L’ART VUES – Luis Armengol Une bouleversante et cinglante adaptation. Il est des spectacles qui dès l’ouverture vous plonge dans une fascination intense (…) Anne-Marie Storme parvient, grâce à un travail très physique, très charnel avec ses interprètes, à parcourir toute la gamme de ce combat entre soif de construire et tentation destructrice. Un combat de boxe en de multiples rounds avec l’amour et la paix comme enjeu. Eclairant. LA REVUE DU SPECTACLE - Bruno Fougniès Anne Conti et Cédric Duhem, sont criants de vérité, leurs paroles résonnent fort en cette actualité bouleversée, en cette Europe divisée où les bruits de botte battent le pavé (…) L’angoisse, la peur, la colère sont palpables, deviennent presque insoutenables. Que veut dire, hier comme aujourd’hui, résister, refuser, s’opposer ? Des questions qui hantent les consciences des deux protagonistes, rehaussées et entrecoupées par la musique et le verbe (tonitruants, envoutants, percutants) de Stéphanie Chamot, rockeuse et punk convaincante, une parole venue d’ailleurs qui permet au public de reprendre souffle (…) Une mise en scène de pure délicatesse, un trio de choc qui hante durablement notre imaginaire, entre douceurs et douleurs du cœur. CHANTIER DE CULTURE – Yonnel Liégeois Rythmée par un univers électro rock, les interactions des personnages sont frontales et déchirantes (…) Tout palpite à l’infini sur la ligne de crête du chaos. SUR LES PLANCHES – Laurent Schteiner Anne Conti, comédienne rare au jeu instinctif est d’une prodigieuse intensité (…) Cédric Duhem, magnétique, fascine par son étrangeté (…) Stéphanie Chamot incarne de façon jubilatoire le vicieux employé du consulat (…) Sa musique rock-électro confère une atmosphère fantasmagorique (…) La lumière de Jean-Marie Daleux est fine et acérée (…) A l’instar d’un Peter Brook, Anne-Marie Storme réussit avec La contrainte à surprendre, captiver et convaincre. Un travail sublime, aussi sincère que puissant. FROGGY’S DELIGHT – Nicolas Arnstan - On pense évidemment à Claude Régy (…) Il y a quelque chose de surnaturel dans les choix esthétiques d’Anne-Marie Storme, tout est épuré (…) Anne Conti et Cédric Duhem joue à fond la musicalité du texte sur une corde raide (…) Un spectacle rare (…) Laissez-vous happer par la force visuelle des mots parfaitement incarnés. UN FAUTEUIL POUR L’ORCHESTRE – Sylvie Boursier Le couple impressionne d’humanité, de singularité. Entre poésie et réalité, ils dansent autour d’un dilemme (…). C’est épatant. Ça donne à penser. CULT.NEWS – David Rofé-Sarfati La grande force du spectacle est de faire de ce débat – la liberté de choix et la liberté d’être – une matière vive et théâtrale. ARTS - CHIPELS – Sarah Franck Un vibrant plaidoyer contre la guerre (…) Une performance musicale aussi. L’OURS Une force de vie transcende cette nouvelle d’une acuité renversante, adaptée et mise en scène remarquablement. LE MONDE LIBERTAIRE – Evelyne Trân

Ce projet donne la parole aux écrits rédigés par les citoyennes et citoyens en 2019, suite à la crise des Gilets Jaunes et au lancement du "Grand Débat National" par Emmanuel Macron. Les mairies de toute la France ont alors ouvert des cahiers de doléances, inspirés par l’exemple historique des États Généraux de la Révolution française. Ce fut la plus grande consultation populaire depuis 1789, et elle est restée lettre morte, enterrée dans les Archives départementales depuis plus de 7 ans. Dans le cadre de sa résidence de territoire en cours sur la métropole d'Amiens, la compagnie Artépo a eu accès à ces paroles inédites, et a plongé dans les cahiers de la Somme. Frappé par la teneur de ces textes, le metteur en scène Stanislas Roquette a décidé d'en faire un spectacle, à la fois chronique politico-historique, feuilleton de notre errance démocratique, et bréviaire de paroles d’aujourd’hui, brûlantes et nécessaires. Au-delà d'une profonde souffrance et d'une immense colère, une grande vitalité émerge de ces cahiers. Avec le sens de la formule, de l'humour et parfois de la poésie, les contributeurs se montrent extrêmement actifs dans leurs réflexions, et font démentir l'idée d'une désaffection pour la chose publique. Plus encore, la pluralité de ces témoignages révèle de manière transpartisane une étonnante cohérence pérenne dans les sujets abordés, qui pourrait constituer le socle d'un avenir commun souhaité.

Un souffle poétique et politique, retraçant une descente aux enfers. Imène, jeune fille brillante dont la meilleure amie Jasmine a projeté un attentat, prend la parole pour lui redonner un nom, une histoire. Remonter le fil des souvenirs. À quel moment c’est devenu sérieux ? Est-ce qu’elle a hésité ? Voulu faire machine arrière ? Qu’est-ce qui l’en a empêchée ? Des raisons si profondes, d’autres dérisoires. Pour enrayer ce « grand projet », il aurait fallu changer le monde, et juste peut-être aussi lui laisser une place dedans. Une tragédie contemporaine qui retrace un basculement vers la radicalisation, alerte sur les risques liés aux réseaux sociaux, a une portée universelle et un rôle auprès de la jeunesse.

Imaginez un immeuble…le 24, Cité des Promesses. Ici, vivent quatre voisins, seuls dans leurs appartements. César, exilé, nettoie la grande ville la nuit pour laver ce que le monde ne veut pas voir. Louise, cadre ambitieuse, sacrifie sa vie privée pour gravir les échelons. Sylvain, écrivain méconnu, anime des fêtes déguisées en attendant la gloire. Arthur, percuté par un deuil, semble perdre la raison et entend la voix du waka tanka, le grand esprit. Englués dans les affres de leurs quotidiens, personne ne remarque ce phénomène étrange : du sable et de la poussière tombent des murs puis du ciel. Vont-ils chacun continuer à se croiser sans se voir, ignorant le drame qui se joue ? Entre réalisme social et onirisme, La Nébuleuse de Septembre signe un spectacle hybride où les corps dansent avec les mots pour raconter la fragilité de nos existences. Inspirée par Hopper, entre tension dramatique et beauté visuelle, cette création puissante, interroge notre capacité à réparer les liens : et si la lumière venait des autres ? Après le succès de « L’Exercice du super héros », Martin Grandperret et Sébastien Nivault poursuivent leur recherche poétique entre théâtre et danse où les mots et les gestes s'épousent et questionnent : comment inventer un avenir ensemble ?

Un soupçon est une expérience culinaire singulière qui réunit un groupe restreint de spectateurices autour d’un acteur seul. Avec cette dégustation partagée avec le public, ce passionné de cinéma nous fait découvrir les films qui l’ont construit. Mais au fil de la dégustation un doute s’installe et une personnalité se dévoile. Qu’a-t-il retenu de ces films ? Comment le cinéma façonne-t-il nos imaginaires ? Comment ces films souvent perçus comme inoffensifs en viennent-ils à influencer nos comportements et nos relations amoureuses ?

De nos jours, une dame polonaise vit dans une maison de retraite. Elle a 94 ans, elle s’appelle Irena et son apparence de vieille pomme ridée rend insoupçonnables les actions héroïques qu’elle a accomplies durant la Seconde Guerre mondiale. Elle et son réseau de femmes ont effectivement sauvé, au péril de leur vie, 2 500 enfants juifs du Ghetto de Varsovie et de la déportation. Pendant que 3 étudiantes du Kansas enquêtent sur le personnage qu’elle était, de sa chambre, Irena convoque ses souvenirs et tisse de nouveau les bribes d’une pensée qui s’étiole, pour que reste à jamais gravé l’inimaginable... Naviguant entre fiction et réalité historique, liant passé et présent, ce spectacle polymorphe mêle acteurs de chair et marionnettes-objets. Irena raconte les maux d’hier pour soigner ceux d’aujourd’hui, fait résonner les notions de courage et d’humanité, éclaire la grande Histoire et les petites. Mais il n’y a pas de grandes ou de petites histoires dans la vie... il y a la Vie !

Luce et Pierre, couple de jeunes retraités profitent dans leur jardin, comme tous les soirs, du coucher du soleil qu’ils voient disparaître derrière le très haut mur de leur résidence privée. Ils vivent depuis toujours à l’abri de cette enceinte protectrice d’une dangereuse forêt qui encercle le domaine. Mais au matin le mur a disparu offrant les résidents à la merci de la vie sauvage… et des gens de la forêt. Abandonnés de tous, ce sont alors leurs propres murs intérieurs que les huit personnages de la pièce vont devoir abattre. Cette pièce de Stéphane Jaubertie, mise en scène par Jérôme Wacquiez, directeur artistique de la compagnie des Lucioles, interroge sur notre relation au monde et aux autres et sur la peur qu'elle peut susciter. "Face à la richesse d’un texte engagé à la dramaturgie efficace, le metteur en scène et ses comédiens déploient toute la palette du jeu : il y a de la tension, de la comédie, du mystère dans cette « clairière ».« La clairière » est un exemple parfait de tout ce qui fait l’essence de ce théâtre que l’on aime : un théâtre de texte, un théâtre de jeu, un théâtre de décor et de lumières, bref, un spectacle complet et passionnant". Eric Dotter, critique théâtre "Oui, le théâtre est toujours vivant, oui, on écrit encore des textes, oui, enfin, il est des écritures engagées qui n’estiment pas nécessaire de prendre la forme d’ennuyeuses plaidoiries démonstratives. La clairière en fait partie. C’est un beau texte métaphorique à souhait qu’a écrit Stéphane Jaubertie, à la demande de Jérôme Wacquiez. Tour à tour, émouvant, comique, dramatique, la clairière suscite les réactions des spectateurs invités à assister à cette naissance. Sortiz.com

Autour de son exposition "Carte Blanche"

2022\. Beyrouth. Un homme doit renouveler son passeport. Il est Libanais, cela ne devrait être qu’une formalité. Mais dans un pays ravagé par les guerres et une crise sans précédent, cette simple démarche devient une véritable épreuve au cœur de la ville plongée dans la nuit noire. Alors il danse, et Aïda, sa compatriote et amie, raconte ses souvenirs à lui, à elle, à eux et leur Liban à tous deux. Tirée d’une expérience réelle, portée par ceux qui l’ont vécue, "Ma nuit à Beyrouth" mêle danse et théâtre et fait surgir, au cœur du chaos et de la mémoire traumatique, l’humour et la poésie.

Lui est peintre. Elle écrit des histoires. Ils s’aiment, se perdent et inventent des récits pour continuer à tenir debout. Blackout Songs dresse le portrait d’un couple pris dans une relation d’amour et d’addiction. La pièce se déploie dans une mémoire fragmentée où souvenirs, jeux de rôle et blackouts se mêlent. Les personnages rejouent leur histoire, transforment leurs souvenirs et réinventent le passé. De ces détours naissent à la fois l’humour, la tendresse et la violence d’un amour traversé par le manque et la dépendance. Profondément humaine, la pièce parle d’une unité perdue et de la difficulté à se séparer. Elle rejoint les mots de Stig Dagerman : "Notre besoin de consolation est impossible à rassasier."

La Médecine du Putois est un spectacle construit sur un récit autobiographique. C’est l’histoire d’une mère qui met au monde un enfant différent. Elle se retrouve d’une part confrontée aux normes limitantes de la société : le rappel incessant de la différence de son enfant par le corps médical et enseignant, la lourdeur administrative, la violence quotidienne et banalisée. Elle est d’autre part mise face à ses propres limites : quelle peur et quelle culpabilité lorsqu’on vous dit que votre enfant ne saura jamais lire. Dès lors, elle va chercher des réponses ailleurs que dans la peur et le jugement, faire fondre sa carapace et accéder à une ouverture d’esprit et de coeur. La Médecine du Putois c’est l’histoire d’un éveil. D’une mère qui devient Mère. Comme pour cette mère qui par la force des choses s’est mise à regarder et écouter le monde autrement, nous vous emmenons vers un ailleurs, une autre perception de soi et de ce qui nous entoure.

Après les succès de L'Homme qui plantait des arbres et Dans les bois, la compagnie Théâtre des Turbulences poursuit son exploration de spectacles écologiques pour spectateurs créatifs. “À travers le manifeste La Forêt de Fontainebleau, je découvre une George Sand méconnue de moi et de bien d’autres. Une femme en lien avec la nature, une écologiste pionnière. Sa tendresse pour le vivant m’émeut. Ce combat qu’elle a mené pour sauver la forêt de Fontainebleau est remarquable, il est devenu le premier site naturel au monde à bénéficier d’une mesure de protection. La pensée écologiste existe dans notre culture occidentale depuis plus longtemps qu’on ne le croit...” Stella Serfaty Les écrits de George Sand entretiennent un lien profond et direct avec le vivant. Ils résonnent par leur portée sensible et poétique. Ils agissent comme des déclencheurs d’imaginaire. Accompagnés par ses textes, nous évoluons au sein d’un terrain de jeu intuitif où tout devient matière à explorer, à créer, à contempler en toute liberté. Lorsque plusieurs mains s’activent, une forme naît. Une trace, un pli ou un nœud vient soutenir celui d’après. Les plantes que l’on nomme "épiphytes" sont une juste métaphore du spectacle. Faire grandir les actions individuelles en étant à l’écoute de l’œuvre collective. Des sons, des chants, émergent et, peu à peu, se substituent aux mots. Ils expriment l’invisible de la nature, ce qui ne peut être dit mais simplement ressenti au plus profond de soi. Laisser agir librement ce qui vibre en soi, ce qui émerveille, ce qui fait joie, ce qui surprend. Sortir du brouhaha du monde. Ressentir l’indicible du vivant. Inventer un espace de reconnexion. Un temps suspendu à vivre ensemble...

À 87 ans, Marceline Loridan-Ivens choisit de parler d’amour, vraiment. Sur scène, une actrice lui prête corps et voix dans un jeu d’ombre et de lumière où la musique fait glisser époques et lieux, d’Auschwitz à Saint-Germain-des-Prés jusqu’à aujourd’hui. Humour mordant et élan vital portent le récit d’une femme farouchement libre. « L'amour après, le sublime «clair-obscur» de Laure Werckmann » Sceneweb « Toujours entre deux eaux, toujours avec délicatesse, L'amour après creuse un sillon singulier et bouleversant » Coups d'oeil « La parole que porte avec talent, calme et sérénité, Mireille Roussel, est libre : mieux, elle dessine un geste existentiel tendu aux jeunes générations, les enjoignant à répondre instinctivement au désir d'aimer, au goût de la vie, quelles que soient les épreuves inconcevables déjà subies » Hottello “Après la Shoah, comment continuer?” À la fin de sa vie, Marceline, veut confier son matricule, ce numéro tatoué sur son bras à Auschwitz pour que sa destinée lui survive et que jamais ne soit oubliée l'horreur. Sans enfant, c'est à chacun et chacune qu'elle le confie en parlant, en racontant, en témoignant et de l'horreur et de l'amour. Elle retrouve une vieille valise pleine de souvenirs, et dans le désordre des lettres, elle revisite ses amours, ses amitiés, des fragments d’une vie marquée par l’Histoire. Son passé est toujours resté vivace, à tel point que dans son corps coexistent la jeune fille, la survivante, la femme et la vieille dame. Un théâtre intime et puissant, où douleur et joie s’entrelacent sans jamais s’effacer. Un spectacle bouleversant, à voir et à entendre, pour ne jamais oublier. « Survivante de l’abomination et du siècle qui l’a générée, elle illumine le XXIe siècle de sa puissance inouïe qui repousse sans cesse le désir d’en finir. Elle offre sa lutte contre la mort, celle qui l’a sauvée des camps, celle qui l’a sauvée à trois reprises du suicide et elle l’adosse au geste d’aimer. Voilà pourquoi je souhaite que Marceline prenne place sur la scène. Elle ne meurt pas d’aimer, comme tant d’autres héroïnes. Sans jamais renoncer à la trace de la douleur, elle vit et revit d’aimer.» Laure Werckmann

MADAME BOVARY SANS ENNUI ? MISSION ACCEPTÉE ! Deux jeunes femmes décalées et très drôles reviennent sur l’un des plus grands romans de la littérature. Leur objectif : vous raconter Madame Bovary sans vous faire vivre la moindre seconde d’ennui ! Et il y en aura pour tout le monde… de celui qui a terriblement souffert à sa lecture, à l’amoureux de Flaubert qui tolère qu’on parle de lui avec humour, en passant par le commun des mortels qui se demande si l'auteur est Balzac ou Zola ! Après deux éditions à guichets fermés, le spectacle de Camille Broquet et Marion Pouvreau revient au Festival d’Avignon. L’aventure a débuté dans la salle 1, puis dans la 2, et sera maintenant dans la salle 3 de 155 places du Théâtre des Corps Saints. Ne ratez pas ce classique revisité résolument moderne et joyeux ! “Coup de cœur assuré” La Provence "Un duo détonant, drôle et touchant" Ouest France “Flaubert doit se tordre de rire là où il est” La Théâtrothèque "Gros coup de cœur ! Tout simplement extraordinaire, c'est drôle, intelligent et instructif" Reg’Arts “Intelligemment décalé et virtuose. Un talent notoire.” La Revue du Spectacle "Pari réussi, haut la main !" Arts Culture Évasions “Comble du chic ? On aurait même envie de relire cette fameuse œuvre de Flaubert” Et si on allait au théâtre ce soir

Découvrez les enjeux de l'inclusion et de l'accessibilité dans le secteur du cinéma à travers cette table ronde consacrée aux métiers de référent handicap. Professionnel·les du milieu, témoignages et échanges permettront de mieux comprendre le rôle essentiel de ces acteurs dans l'accompagnement des équipes et la construction d'un environnement de travail plus inclusif. Comment rendre les tournages et les métiers du cinéma réellement accessibles à toutes et tous ? A destination des professionnel

LA PHOTOGRAPHIE NATURE " De l'illustration à l'Artistique, de la prise de vue au livre" Conférence animée par David TATIN, Photographe Nature presentation de deux ouvrages photos, présentant la nature vue par l'oeil du photographe "Amitiés Sauvages" et un ouvrage sur la résurgence de Fontaine de Vaucluse " le Gouffre" . L'ouvrage est illustré par des poèmes de pierre Brunet qui sera présent.

Dans le cadre d'un mois dédié à la musique sous toutes ses formes, nous vous invitons à venir découvrir un chef-d'oeuvre du cinéma évoquant le parcours d'un jeune musicien qui rêve d'exceller en batterie. La projection sera suivie d'un moment d'échanges avec un bibliothécaire.

La Commission du film Luberon Vaucluse et l'équipe France Travail Culture spectacle audiovisuel Vaucluse (Avignon Réalpanier) vous invitent à une rencontre réseau Audiovisuel vendredi 5 juin de 18h00 à 20h30 à Avignon. Adresse : La Respelid, 3 rue de l'Observance 84000 Avignon Venez enrichir votre réseau professionnel ! Cet apéro pro est destiné aux artistes, comédiens, comédiennes, techniciens, techniciennes de l'audiovisuel et du cinéma, professionnels et futurs professionnels qui souhaitent

_Nous vous invitons à l'exposition de photographies de Bohdan Holomíček « Václav Havel – Seul un instant » à Avignon. Venez célébrer avec nous le 90e anniversaire de la naissance de Václav Havel et découvrez-le sous une lumière un peu différente !_ À l'occasion du 90e anniversaire de la naissance de Václav Havel, la Bibliothèque Ceccano d'Avignon présente, en collaboration avec le Centre tchèque de Paris, une exposition de photographies de Bohdan Holomíček qui met l'accent sur la personnalité de Václav Havel, la détachant de son environnement et de son entourage. Telle une opportunité de partager un instant avec lui, ces photographies nous invitent à « rencontrer » Václav Havel dans l’authenticité de son intimité.